Café de fita

[Música] Sérgio Sampaio e sua música Maldita

2012-01-26T20:24:00.000-08:00

Sérgio Sampaio, estigmatizado pela mídia da época como Maldito, responsável por um dos maiores hits da década de 70 "Eu quero botar meu bloco na rua" que estourou levando o compositor capixaba a um estado de fama e ligeira loucura. As gravadoras e o grande público esperavam que no decorrer de sua carreira meteórica novos "Blocos" surgissem, mas por uma certa teimosia Sérgio pretendia mostrar para o Brasil uma nova lírica, novas melodias e ideias que tinham o poder de encantar o mundo. Deixado de lado, por não atingir as expectativas, passou a margear o cenário musical do país. Durante as décadas de 70 e 80 gravou 3 discos "Eu quero botar meu bloco na rua" (1973) e "Tem que acontecer" (1976), ambos dentro de grandes gravadoras, "Sinceramente" (1982) disco independente. Morreu em 1994 sem ter tido a possibilidade de terminar seu quarto álbum de estúdio, que em 2006 Zeca Baleiro reuniu as gravações caseiras e produziu o disco "Cruel" (lançado também a versão "crua" do projeto, só com as originais).

Quando decide sair de Caichoeiro de Itapemirim e ir tentar a vida como compositor no Rio de Janeiro, acaba conhecendo um grande parceiro com o qual gravaria um disco chamado "Sessão das 10". O capixaba foi a uma gravadora, onde Raul Seixas trabalhava como executivo, para ver se algo os interessava, acabou não só encantando o maluco beleza, como também é "responsável" pela carreira solo do músico Baiano.

O disco "Eu quero é botar meu bloco na rua" tem uma roupagem melódica diferente para cada uma das 12 faixas, e a poética é singular, onde as músicas abordam dentre vários assuntos como a infância do cantor, e a Ditadura militar, como podemos ver em "Labirintos negros"

Por trás dos edifícios
Da cidade moderna
Os labirintos negros
Prendem o que esperam
A condução, ou não
A confusão, ou não
A confusão, eu não

Que ilustra o medo dos brasileiros, de maneira simples e impactante. Com uma lírica moderna e influenciada por uma vasta referência tanto literária quanto musical. Na música "pobre meu pai" Sérgio mostra como ninguém como são as relações pai e filho que permeavam a época, com uma triste realidade da tirania dos patriarcas

Pobre meu pai
Quatro punhos espalhados no ar
Oito olhos vigiando o quintal
E o meu coração de vidro
Se quebrou
Doido meu pai

Outra música que demonstrou estes mesmos problemas com igual ou semelhante potência, de relação foi "sapato 36" do Raul Seixas.

A canção que intitula o primeiro disco, "Eu quero é botar meu bloco na rua", que foi cantada por multidões, adotada como hino e conhecida até os dias de hoje, é responsável não só pelo sucesso mas também pelo fracasso do compositor. É contado que Sérgio bradava com orgulho pros amigos mais próximos, ainda antes do HIT, que seria um grande sucesso no cenário musical brasileiro seria celebrado e que todos cantariam suas canções. Mas acuado nos palcos quando percebeu que de fato todos cantavam sua música, parecia aos olhares entristecidos do cantor como uma filha única e que aparentemente não davam a menor bola para suas outras composições. Assustado com a repercussão, passou a agir de forma estranha, faltava os programas de auditório, cantava o HIT nos espetáculos com um ritmo totalmente diferente impossibilitando o público de acompanha-lo. Com estas atitudes as gravadoras, começaram a recusar-se a continuar investindo em sua carreira. Destas cenas "surge" a alcunha que o crucificaria pro resto da carreira, Maldito, Marginal.

O segundo disco "Tem que acontecer", veio para reafirmar o poder da poesia de Sérgio Sampaio, recheado de musicas que tratam das desilusões amorosas, da sua relação com a poesia que na musica "cada lugar na sua coisa" inicia com a frase "um livro de poesia na gaveta/ não adianta nada/lugar de poesia é na calçada" ilustrando não só sua visão artística de que de nada adianta uma música guardada, já que ela foi feita para ser dançada no asfalto. Também não deixa de refletir sobre sua importância pro cenário brasileiro que na canção "cabras pastando" descrevendo um belo autorretrato.

"Tem que acontecer/ tem que ser assim/ nada permanece inalterado até o fim" quando percebemos que o que ficou de um grande amor foi a solidão, entendemos que esta música retrata com uma rara beleza o fim de um longo relacionamento, sua impotência de resolver os impasses que dificultam a relação, o compositor relata seus esforços para tentar mudar mas afirma que nada pode fazer por ser apenas "um compositor popular", sua vida era a música e nada nem um grande amor ficaria no seu caminho. Não podemos negar uma grande influencia biográfica nas composições, suas experiencias de vida viram solo fértil para sua poesia.

A música "A luz e a semente", seria uma das primeiras afirmações do compositor com seus futuros problemas com o alcoolismo,

E tropeçando bêbado pelas calçadas
Me recordando de não ter bebido nada
E olhando essas luzes
Que se apagam lentamente

Alcoolismo este que acabaria levando Sérgio a uma morte prematura.

O terceiro disco "Sinceramente" gravado de forma independente, vem repleto de melodias mais calmas e impactantes, as letras também apresentam um ar um pouco mais sério. Na faixa que começa o álbum "Homem de trinta" demonstra um pouco de medo com a velocidade em que o tempo anda passando, começa com versos que ilustram o desespero em não sumir, em não ser esquecido, Sampaio grita pro Brasil que ainda está vivo e ainda tem muito para compor e cantar. Novamente aborda as complicações do amor em músicas como "Tolo fui eu" e "Faixa Seis", complicações estas que geralmente foram influenciadas pelo lado de "poeta do riso e da dor".

Nos anos 90 depois de uma longa reabilitação, dizia-se curado dos problemas com o álcool, volta a investir na carreira como musico a fazer concertos por todo o Brasil, e com novas canções gravadas de forma caseira começa a buscar por uma nova gravadora que demonstre interesse em gravá-lo.

Fui posto de lado e fui um marginal enfim
O pior dos temporais aduba o jardim

Versos da música "Ninguém vive por mim" representam muito bem a dor vivida anos a fio como um marginal, este sofrimento teria um proposito, afinal Sérgio Sampaio tinha razão, "o pior dos temporais aduba o jardim". Reabilitado, pronto para voltar com gás para os holofotes, se considerava pronto, definitivamente pronto para o sucesso que o aguardava ansiosamente. Morre poucos meses depois de conseguir um contrato com uma gravadora, de complicações decorrentes da vida cheia de excessos, de uma pancreatite aguda.

Deixou seus frutos guardados, inacabados, apenas esperando a oportunidade para gravar e encantar novamente o povo brasileiro com sua lirica potente e rica em sentimento. O álbum Cruel recebeu um tratamento especial, produzido pelo maranhense Zeca Baleiro, que reuniu aquelas canções inéditas e lançou em 2006 o disco.

Pra você que mal enxerga
Um incêndio na floresta no meio da escuridão
Pra você que mal enxerga
Uma estrela, um vaga-lume numa noite de verão
Pra você que mal enxerga
Uma nave extraterrena vai ser sempre um avião
Um satélite perdido, um delírio coletivo
Um balão de São João

Por isso chega mais pra perto, cabra cega
E pega na minha mão
Tira a venda, enxerga
Abre a janela e os olhos do coração

Pois eu cheguei mais perto, como uma "Cabra cega" e me encantado contemplei feito uma criança boba diante um brinquedo novo sua obra. Vida longa Sérgio Sampaio! Sua obra é ETERNA e nunca será esquecida!

Documentário "Por um Sampaio Teimoso"

Referência bibliográfica:

Eu quero é botar meu bloco na rua - A biografia de Sérgio Sampaio, Rodrigo Moreira, 2ª ediçao

[Curiosidades] Stop Motion

2012-01-24T17:49:00.000-08:00

Stop Motion (também conhecido como stop action) é uma técnica de animação que faz um objeto manipulado fisicamente parecer que se move por conta própria. O objeto é movido em pequenas pausas e entre os quadros fotografados individualmente, criando a ilusão de movimento (resultado de uma sequência contínua). Bonecos com articulações móveis, de argila ou massinha de modelar são frequentemente utilizados em stop motion por sua facilidade de reposicionamento, mas até hoje, novas técnicas foram descobertas. O stop motion é muitas vezes confundido com a técnica time lapse, onde fotografias são organizadas em um intervalo regular, formado uma história em um filme contínuo.

O stop motion tem uma longa história no cinema, muitas vezes era usado para mostrar objetos em movimento como que por magia. O primeiro uso da técnica está creditado ao Albert E. Smith e J. stuart Blackton em The Humpty Dumpty Circus (1897), no qual um circo de brinquedos acrobatas e animais ganham vida, com isso mais alguns diretores começaram a usar o stop motion em alguns planos sequência de seus filmes. A primeira animação em argila foi Modelling Extraordinary que deslumbrou o público em 1912, em 1916 Helena Smith Dayton usou argila para fazer uma adaptação de Romeu e Julieta, de William Shakespeare. Brien Willis, ficou bastante conhecido por conta da animação O Mundo Perdido, lançada em 1925 (apesar de seu trabalho mais conhecido ser o King Kong, mas ele diz que esse sucesso só foi possivel por causa das suas experiências com o stop motion).

As décadas 60 e 70 foram bem significativas para o desenvolvimento da técnica, Eliot Noyes Jr. refinou a técnica com argila, e a animação A Origem das Espécies (1965) foi indicada ao Oscar, mas não levou o prêmio. Noyes também usou areia sobre vidro para fazer stop motion: a técnica foi usada na animação musical Sandman (1975). A Disney também tem várias experiências com o stop motion, Mike Jittlov foi o primeiro contratado pra fazer a animação de movimento, em 1978. Foram feitas pequenos curtas com o Mickey Mouse que serviram como promo para comemorar o aniversário de 50 do personagem, com esses curtas foram feitas 50 chamadas entre os intervalos da programação da TV. Em 1979 foi lançado o filme The Black Hole, Jittlov se destacou por esse trabalho. Nos próximos anos foram lançadas em edição para colecionador curtas feitos em 16mm, que foram intitulados The Wizard of Speed and Time, que junto com outros quatro curta-metragens, foram transformados em longa, lançado nos cinemas em 1987.

Já nos anos 80 essa técnica foi utilizada na saga Star Wars, do diretor estadunidense George Lucas e revolucionou o cinema com suas habilidades de efeitos especiais usando o stop motion. O diretor Tim Burton também é reconhecido por seus trabalhos em stop motion, em 1982, foi estreada a animação Vincent, um curta-metragem de terror para crianças feito com as técnicas de stop motion. Em 2005 o diretor usou mais uma vez a técnica no longa animação A Noiva Cadáver. Outros exemplos famosos podem ser dados como, O Estranho Mundo de Jack de 1993, dirigido pelo Henry Selick, A Fuga das Galinhas de 2000, dirigido pelo Nick Park e Peter Lord, Mary and Max de 2009, dirigido por Adam Elliot, Coraline de 2009, também dirigido pelo Henry Selick, entre outros.

Na TV o stop motion vem dominando a programação infantil por mais ou menos três décadas. O primeiro desenho foi feito em 1959, exibido na televisão alemã do leste, contava a história de uma criança, mas que tinha a Guerra Fria como propaganda principal. Em 1960 na TV americana foi exibido um especial de animações natalinas, produzido pela Rakin/Bass (empresa bem influente no ramo do stop motion). No mesmo ano na TV francesa foi lançado o desenho Colargol (nós conhecemos ele como Barnaby, o urso - quem assistia TV Cultura uns anos átras deve lembrar bem dele). Outro exemplo que nós conhecemos é o desenho Pingu (passa até hoje na TV Cultura) que conta a história de um pinguim que vive com a família em um iglu.

Esses são uns dos muitos exemplos que podemos dar sobre a produção de stop motion, a equipe do Café de Fita também tem projetos para produzir curtas feitos em stop motion, aguardem novidades!

[Cinema] Mary and Max

2012-01-22T06:32:00.000-08:00

Mary and Max é uma animação australiana feita em stop motion, escrita e dirigida por Adam Elliott. Estreou em 2009 no Festival de Sundance e foi bem aclamado pela crítica. O filme conta a história de uma amizade formada através da troca de correspondências.

Mary é uma garotinha de oito anos que vive na Austrália, sem amigos e sem a atenção dos pais, dócil e inteligente, observa as situações ao seu redor, mas infelizmente não tem com quem compartilhar, até que um dia, olhando uma lista telefônica, resolve aleatoriamente escolher uma pessoa pra quem mandaria uma carta, que por sorte seria respondida. Quem recebe a carta agradável e cheia de dúvidas é o Max, americano de 44 anos, também bastante solitário, e como ele mesmo se intitula, "gordo". O Max participa de um grupo de "Gordinhos Anônimos" mesmo achando que isso não funcione muito. Ao receber a carta fica espantado, mas resolve dá uma chance a situação e responder a carta da Mary.

E é ai que uma forte relação de amizade começa, a Mary sempre cheia de questões a serem respondidas e o Max que mesmo apavorado com tudo isso, no fim das contas consegue responder. Entra-se em discussões sobre filosofia, religião, vida em sociedade, sexo, amor, confiança e principalmente sobre o significado da amizade. Também chego a acreditar que essas trocas de carta foram essenciais para a construção de caráter da Mary, pois ela realmente precisava de alguém que tivesse historias para contar e que também pudesse explicar casos, mesmo que fosse algo meio fora do nexo.

Mesmo sendo tão "diferentes", é visto como os dois tem manias e vontades em comum, como por exemplo o amor por chocolate, o Max por exemplo tem uma lista de metas pra vida e uma dessas metas é ter um estoque de chocolate vitalício, que no fim das contas ele acaba conseguindo cumprir essa meta. Em uma das trocas de correspondências o Max entre em crise com tantas perguntas, e por causa de uma tentativa de suicídio mal sucedida, acaba indo para o hospital psiquiátrico e lá descobre que tem a síndrome de asperger (síndrome do espectro autista, diferenciando-se do autismo clássico por não comportar nenhum atraso ou retardo global no desenvolvimento cognitivo ou da linguagem do individuo).

Nesse vídeo, mostra a cena em que o Max após ter sumido por algum tempo,

escreve para a Mary explicando porque sumiu e o que é a síndrome

O tempo vai passando, e a amizade dos dois cresce também a cada dia. Mary entra na faculdade e resolve estudar medicina, se especializar em psiquiatria pra ajudar seu amigo. E Max, como ele mesmo diz, fora a idade, "só faz crescer pros lados". Mary consegue construir uma carreira de sucesso na área que escolheu, mas infelizmente acabou esquecendo da vontade de seu amigo, Max em nenhum momento quis a cura pra sua doença, ele gosta dela e quer morrer com ela.

Um filme extremamente bonito, uma animação "desanimada" com todo seu ar mórbido e depressivo, muitos vão pensar que por ser animação é destinado a crianças, mas não. A animação é quase que completamente monocromática. A vida da Mary é retradada na cor marrom (no começo da animação ela explica sua paixão pela cor terrosa) e a do Max em tons cinzas, a cor consegue transmitir bem com é a vida que ele leva. Indico a todos que querem pensar um pouco na vida e em todas as dúvidas que giram em torno dela

Trailer do filme

[música] Covers que deram certo VII

2012-01-18T20:25:00.000-08:00

Mais um texto sobre "Covers que deram certo" na nossa humilde opinião, aqui abordaremos algumas músicas do Grupo Inglês de rock psicodélico Pink Floyd! algumas versões bem interessantes, que passam pelo tom melancólico dos Finlandeses do Nightwish aos vocais sensacionais do Americano Eddie Vedder, com direito a algumas versões em DUB!

Começando pela música "High hopes" do álbum "The Division Bell" cantada pelo Baixista e backing vocal Marko Hietala e que foi gravada no Show de despedida da Ex-vocalista Tarja Turunen do Nightwish. "The End of an Era"é o DVD gravado por eles

Essa não é só uma das minhas músicas favoritas do Pink Floyd como este cover me agrada bastante, apesar de ser um cover reduzido, já que "Shine on you crazy diamond" beir a acasa de 25 minutos de pura lisergia musical! Executada por Jack Irons no seu álbum "Attention Dimension" com participações especial de Eddie Vedder(vocalista do Pearl Jam)

Agora não falaremos apenas de uma música, mas sim de um álbum inteiro que foi regravado pela galera do Easy Star All Star, banda de Reggae e Dub novaiorquina que tiveram a brilhante ideia de transformar o disco mais aclamado do Pink Floyd o "The Dark Side of the Moon" em uma viagem pelo Dub, todas as versões tem seu charme e encanto próprio. Segue duas músicas Time e The great gig in the sky

Confiram as originais clicando nos linsk abaixo!

Shine on you crasy diamond

The Great Gig in the Sky

Time
High Hopes

[Música] Blind Guardian e as inspirações literárias

2012-01-16T07:17:00.000-08:00

Blind Guardian é uma banda de Power Metal Alemã, formada nos anos 80 e está na ativa até os dias de hoje. Nós da equipe do Café de Fita temos um grande apresso pelo som produzido por eles. E neste texto abordaremos suas inspirações literárias para compor suas músicas, inspirações essas que passam por Tolkien e Game of Thrones.

Começaremos pelas influências Tolkianas:

A banda compôs diversas músicas baseadas no cenário criado pelo escritor inglês J.R.R. Tolkien, um dos seus discos chamado "Nightfall in the Meddle Earth" foi inteiramente inspirado pelo livro Silmarillion, contendo 22 faixas que contam historias da mitologia da Terra Media.

Como diversas outras canções que ao longo dos anos foram somando quase 30 composições sobre o mundo do "Senhor dos Anéis", músicas como "The Bard's Song (In the Forest)" e "The Bard's Song (The Hobbit)", "The Lord of The Rings", "Gandalf's Rebirth".

A banda mantem um projeto engavetado, de um disco orquestrado baseado também no universo criado por Tolkien, nada tem haver com o som habitual do Blind Guardian, mas levará o nome da banda por conta das letras se encaixarem num mesmo estilo.

Outra influência dos músicos do Blind Guardian é o mundo criado por G.R.R. Martin, conhecido por escrever a série de livros"A song of fire and ice" mais conhecida como "Game of Thrones” (série de TV produzida pela HBO) com duas músicas no último álbum de estúdio "At the Edge of Time"(2010), "Voices in the dark" que conta a historia do Bran "O quebrado", e "War of the Thrones" que conta um pouco sobre o mundo e o grande inverno que está por vir.

Michel Moorcook (outro escritor inglês) também inspira o Blind Guardian a compor suas músicas, "A quest for Tanelorn" e "Tanelorn (into the void)" são duas das composições baseadas nos mundos criados por este escritor.

E não só livros de fantasia são base para as composições da banda alemã, mas também a mitologia nórdica, que inspiram músicas como "Valhalla" (morada dos Deuses Nórdicos), E inspirados nas lendas sobre Mordred inimigo mortal do Rei Arthur compuseram a música "Mordred's Song".

[Música] Iron & Wine

2012-01-12T17:31:00.000-08:00

Iron & wine é o nome artístico utilizado pelo cantor e compositor estadunidense de folk rock Sam Beam.

Dono de uma enorme barba "suficiente para esconder um ninho de passarinhos", e atrás da qual ele se esconde em silêncio, evitando as atenções que surgiram resultantes de sua recente fama. Enquanto alguns artistas dão um salto ansioso em busca de festas e brilho, "desesperados" para obter favores e entrar em colunas das revistas mais famosas, Beam vive tranquilamente em uma casa em Austin, Texas com sua esposa e cinco filhos, longe das luzes brilhantes.

Poderíamos supor toda a exposição acima mais superficial do Iron & Wine, em que o seu murmúrio discreto, acompanhado pela sua guitarra acústica (e às vezes por arranjos da banda), desenhos, narrativas e quadros em que se entrelaçam com os interesses da música country, o amor, Deus e a Morte. Você provavelmente já ouviu Iron & Wine "sem querer", em trilhas sonoras de filmes, seriados (Saga Crepúsculo, The O.C., Grey’s Anatomy, entre outros).

O "problema" de ser um artista reservado em destaque, é que as pessoas querem lhe fazer perguntas, para qual o artista acha que não tem muitas respostas interessantes. Beam em algumas entrevistas que vi, dá a impressão de simplesmente não entender a mecânica da entrevista, respondendo as perguntas não como uma oportunidade de expor longamente assuntos variados, mas como consultas exigindo respostas práticas. Se ele pudesse simplesmente responder com um "sim" ou "não" ele provavelmente iria, mas ele faria isso com um humor tão agradável que ninguém poderia se ofender.

Beam lançou seu álbum de estréia em 2002 pela gravadora Sub Pop. The Creek Drank the Cradle foi escrito, executado e produzido pelo próprio artista em seu estudo caseiro. O CD apresenta músicas com forte presença de violões, banjos e guitarra acústica, com esse CD os críticos passaram a comparar o projeto Iron & Wine com artistas como Nick Drake, Simon & Garfunkel, Elliott Smith, Neil Young e John Fahey.

Também em 2002, gravou um cover do The Postal Service, canção até então inédita "Such Great Heights". Ao invés de ser incluída em um release do Iron & Wine, a música foi inicialmente incluída com um b-side da versão original do The Postal Service. Mais tarde foi incluída no cd Arround the Well (b-sides e raridades). Em 2003 foi lançado o EP "Thr Sea & The Rhythm" dando continuidade ao seu trabalho.

O segundo álbum "Our Endless Numbered Days", foi lançado em 2004 e dessa vez gravado em um estúdio profissional. Produzido em Chicago por Brian Deck, o foco ainda era no material acústico, mas a inclusão de outros membros da banda deu origem a um som mais diferente. Nesse mesmo ano, gravou a canção "The Swinger Trapeze" para o filme "Em boa companhia", e teve a sua versão de "Such Great Heights" apresentada em uma propaganda da M&M's e na trilha sonora do filme Garden State.

Em 2005 lançou o EP "Woman King" que se expandiu sobre os sons com a adição da guitarra elétrica. Cada faixa apresenta uma figura espiritual do sexo femino, algumas delas com referências bíblicas. No mesmo ano foi lançado o EP "In the Reins" projeto com a banda Calexico, Beam escreveu todas as músicas do CD, mas sonoramente foi acrescentada fortes influências do Calexico, além da música tradicional mexina e pitadas de jazz aos arranjos musicais.

O terceiro álbum "The Shepherd's Dog" foi lançado em 2007. Este álbum foi eleito um dos 10 melhores do ano pela Paste Magazine. Contou com a contribuição de artistas como Joey Burns e Paul biehaus do Calexico e dos músicos de jazz Matt Lux e Burger Rob. Quando lhe pediram para descrever o álbum, Beam explicou que "o CD não era um registro de propaganda política, mas é definitivamente inspirado nessa confusão, já que eu estava realmente surpreendido quando o Bush foi reeleito".

"Kiss Each Other Clean" é o quarto álbum (e último, até então) de estúdio do Iron & Wine e foi lançado em 2011 pela Warner Bros. Records, com este álbum, Beam combina seus estilos anteriores com uma influência mais forte do pop.

Página oficial do Iron & Wine

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[Cinema] Borboletas Negras

2012-01-10T20:08:00.000-08:00

Sempre consumi filmes incansavelmente, tanto enlatados americanos quanto filmes de arte. Outro item que também é frequente na minha lista de consumos é a poesia. E Alguns leitores já devem ter reparado, um dos grandes temas presentes no Café de fita é o mundo da poesia, e principalmente quase todos os filmes analisados aqui tiveram como cenário principal a poesia.

O filme da vez, Borboletas Negras, conta a historia da poetiza Sul-Africana Ingrid Jonker, e como foi o processo destrutivo de composição do seu poema mais famoso.

O enredo desenvolve o psicológico da poetiza, mostrando uma alcoólatra com tendencias suicidas cheia de amor para dar. Enquanto paralelamente debate o cenário literário da Africa do sul e os problemas enfrentados pelos escritores com a censura. Ingrid começa a participar de um grupo boêmio e descontraído formado na grande maioria de artistas, sempre discutindo sobre a politica do país e os últimos trabalhos individuais.

No decorrer do longa alguns fatos são narrados para que possamos entender o que inspirou o poema "The child is not dead'. O que acaba sendo uma análise biográfica e levemente superficial. Enfraquece a potencia do poema que por si só se explica. Não é necessário abordar alguns temas(no caso do filme, o aborto e o trauma causado por ele) para que eles sejam totalmente compreendidos dentro de uma obra. Mesmo que funcione dentro da linguagem cinematográfica, pois é preciso um certo drama na historia, para que ela cative o público geral.

O poema ilustra de certa forma os problemas raciais decorrentes do regime ditatorial vivenciado na Africa do Sul, de como os negros eram maltratados, e como a poetiza sentia-se angustiada com esta situação. Porem, faltou aprofundar um pouco mais estes temas, que ficaram numa superficialidade extremamente banal e desconfortável. O filme acaba ficando preso ao psicológico da personagem principal, e só. Não deixando de ser um bom filme a ser apreciado, poderia ser melhor sim, mas é cativante na dose certa.

Repleto de bons diálogos e dos belíssimos versos da Ingrid Jonker, o quê vale ressaltar, eu não tinha a menor consciência de sua existência.

Nelson Mandela, leu o poema durante seu discurso na inauguração do primeiro parlamento democrata da Africa do sul em 1994

[Cinema] A sociedade dos poetas mortos

2012-01-08T19:33:00.000-08:00

A sociedade dos poetas mortos é um filme dos anos 80, com um roteiro original(vencedor do Oscar) que encanta a plateia atenta, que escuta todos os versos do Poeta americano do seculo XIX W. Whitman sem perder a respiração.

Robin Williams, que durante a minha infância foi meu ator favorito, por fazer papéis como Mrs. Euphegenia Doubtfire em Uma babá quase perfeita, Alan em Jumanji. e por ter sido também a voz do Gênio da lampada em Aladim. Mas ainda naquela época despertava em mim um interesse em seus filmes com um viés menos cômico, e mais reflexivos, como o personagem Jack (do filme homônimo) que mostrava para mim o que deveria ser um ator de verdade. É bom ressaltar que meu gosto por ele vinha sim dos filmes infantis, mas foi um pouco mais velho assistindo filmes como Bom dia Vietnam e O homem bicentenário, que percebi do que se tratava realmente seu trabalho.

Em a Sociedade dos Poetas mortos, interpretou o papel do professor de métodos "nem um pouco ortodoxos", Mr. Keating.

Em um colégio tradicional com lemas como "Honra","Disciplina", "Tradição" e "Excelência" o que se presa é pela educação acima de tudo, onde não só os pais como também os professores olham pro futuro dos estudantes sem nunca perguntá-los exatamente o que eles querem pra vida. e É exatamente onde o Mr Keating entra, buscando dar aos alunos o poder de pensar por si próprios, respondido agressivamente pelos outros professores com "não nesta idade Mr. Keating". Os adolescentes não podem sonhar, não devem ser encorajados para fazerem o que lhes vem a cabeça, devem ser conduzidos como gado sem terem a devida oportunidade de enfrentarem seus medos com delicadeza.

Uma das partes mais importantes nos ensinamentos do professor é exatamente este "Carpe diem"!

Durante o ano escolar alguns alunos se juntam e descobrem a antiga "Sociedade dos poetas mortos" e passam a se encontrar para recitar versos de Thoreau, Whitman, Byron e muitos outros. Destas reuniões secretas, muito é levantado, como a união, a amizade, a lealdade e a vontade de enfrentar seus maiores medos. Como Mr Anderson que temia falar em público passando a ter um pouco mais de coragem.

Um dos temas que podem ser levantados e debatidos(dentro de muitos outros) é o que de fato é a poesia? Quando Mr. Keating pede para os alunos lerem a introdução do livro escrita por E.E. Evans-Pritchard, e enquanto zomba do que está escrito naquelas linhas, também levanta uma critica aos alunos que seguem cegamente o que os professores falam, sem ao menos questionarem se aquilo é legitimo ou correto. Poesia não pode ser definida por critérios de qualidade, qual é melhor, ou qual a mais profunda. Enquanto muitas vezes o leitor é que tem a principal função de dar algum sentido ao poema. Se falará sobre amor ou sobre as dores do mundo. É papel do leitor decidir.

Não escrevemos poesia por que é bonito, mas por sermos seres humanos. Mr. Keating prova que todos temos no fundo da alma um enorme potencial para nos tornarmos grandes poetas, não é necessário uma profunda carga intelectual, mas sim coragem para tirar as forças do nosso interior, e sermos capazes de tornar exterior nossos sentimentos. Seja realmente através da poesia, da atuação, ou das atitudes mais banais.

É levantado também, a questão de que se o professor, tinha noção do que estava fazendo. Ao encorajar os alunos a seguirem seus próprios caminhos, fica a dúvida se ele realmente entendia as consequências, ou se estava apenas testando seus limites como mestre. Em diversos pontos do filme, essa dúvida pode ser esclarecida, mas nunca totalmente entendida. Ele sabia sim o que estava fazendo mas nunca imaginou a profundidade que iria atingir nos pupilos.

Um dos filmes mais tocantes e emocionantes que vi, e para aqueles que foram obrigados a vê-lo na adolescência sintam-se a vontade para revê-lo com atenção e carinho!

[Música] Vashti Bunyan

2012-01-04T18:30:00.000-08:00

Vashti Bunyan (Londres, 1945) é uma musicista britânica. Sua carreria musical começou em 1964, quando foi descoberta por Andrew Oldham, antigo manager dos Rolling stones. Em 1965 ela assinou com a gravadora Decca e lançou o single "Some Things Stick in your Mind", composta por Mick Jagger e Keith richards. O disco recebeu pouca atenção, mas mesmo assim a Bunyan lançou outra canção, "Train Song". Depois de gravar diversas músicas que nunca foram lançadas, ela cortou relações com Oldham, largou a música e partiu numa viagem longa de carruagem com o namorado pela Inglaterra, mas mesmo assim continuou compondo. Em 1969 conheceu o produtor Joe Boyd e acabou lançando o "Just Another Diamond Day" (foi relançado em CD em 2000 pela gravadora Dicristina). Despois do lançamento desse disco parou mais uma vez sua carreria musical.

Depois de mais de 30 anos completamente fora do ramo musical, Bunyan volta a cantar ao lado de Devendra Banhart no disco "Rejoicing in the Hands" e também fez algumas participações com outros artistas. Em 2005 lançou seu segundo disco, "Lookaftering", lançado pela Fat Cat Records e co-produzido pelo pianista Max Richter. Em 2007, a mesma gravadora lançou o "Some Things Just Stick in Your Mind - Singles and Demos 1964 to 1967".

Sua voz calma e aguda, acompanhada muitas vezes apenas por um violão, e outras com uma flauta e um pouco de percussão, preencheu de beleza músicas de um carreira que mais tarde seria uma das maiores influências do free folk contemporâneo.A simplicidade de seu trabalho, a forte essência do anos 60 em suas composições melancólicas, passaram a agradar bastante a cena "cult".

Separei algumas músicas que marcam a sua carreira:

Sua parceira com o Devendra Banhart:

Até a próxima!

[Cinema] Mundo Cão

2012-01-02T16:40:00.000-08:00

Mundo Cão (Ghost World) é um filme estadunidense de 2001 dirigido por Terry Zwigoff e baseado no quadrinho de mesmo nome escrito por Daniel Clowes. A adaptação cinematográfica foi protagonizada por Thora Birch, Scarlett Johansson e Steve Buscemi.

O filme conta a história de duas amigas adolescentes, Enid e Rebecca, que acabaram de terminar o ensino médio e se sentem inseguras quanto ao futuro. Podemos presenciar alguns dialógos bem sagaz das garotas, sempre tentando deixar evidente o quanto as incomodava o fato de não se sentirem "encaixadas" nesse mundo. Mas com o tempo vão surgindo conflitos que põem a prova a amizade das duas, Enid acaba conhecendo Seymour, um colecionador de discos estranho e solitário, mas que com o tempo a Enid vai percebendo que tem muito mais em comum com ele do que imagina.

Os nossos desejos nem sempre vão ser os mesmos, a medida que o tempo passa, nossas vontades podem se firmar ou passar por momentos de crise, e é isso que acontece entre as amigas, que sempre foram unidas, mas ao terminarem o colegial entram em crise, já que suas vontades não estão correspondendo mais. Rebeca logo se adapta ao "mundo dos adultos", arranja um emprego e mantem firme o seu sonho de alugar um apartamento e morar com a amiga. Já Enid, garota mais solitária, inteligente, artista e com um forte senso de humor sarcástico, acaba se questionando se é essa vida "normal" que quer para si, durante todo o filme ela se pergunta sobre a sua existência no mundo e sempre deixa bem claro a vontade de sumir.

Seymour é um personagem em particular, homem solitário, tímido, frustrado e esquisito, que ao mesmo tempo que tenta se fechar para o mundo, também está atrás de algo que por fim o faça feliz, e é numa dessas tentativas que ele conhece Enid, que acaba por ser sua companheira na solidão. Os dois acabam se tornando amigos e percebem o quanto que tem em comum, uma amizade bem agradável surge entre eles. Durante o filme pude separar algumas falas do Seymour que podem explicar bem como ele se sente em relação ao mundo, ao que é externo a ele:

"Não consigo me relacionar com 99% da humanidade".

"…Não quero conhecer ninguém que compartilhe meus interesses. Odeio meus interesses".

"Acha saudável colecionar coisas obsessivamente? Não consegue se relacionar com outras pessoas, então preenche sua vida com objetos…".

Com um roteiro que mistura comédia e drama em doses exatas, personagens memoráveis, brilhantes atuações de quase todo o elenco, Mundo Cão é um excelente filme “alternativo”. Sua trilha sonora também é extremamente agradável, vale a pena.

Mundo Cão estreou Festival Internacional de Seattle, com baixo reconhecimento do público, mas bem aplaudido pela crítica. Também foi apresentado em festivais como Fantasia Festival de Montreal, Karlovy Vary Film Festival, Deauville American Film Festival, Bergen International Film Festival, Turin International Film Festival of Young Cinema, International Film Festival Rotterdam, Moscow International Film Festival e el Helsinki International Film Festival. Foi indicado ao Oscar com o melhor roteiro adaptado e duas indicações ao Globo de Ouro, melhor atriz de comédia ou musical (para a Thora) e de melhor ator coadjuvante (para o Steve).

Feliz 2012 galera!!

#offtopic - Agradecimentos

2011-12-21T17:44:00.000-08:00

Desde o dia 24 de julho quando retomamos nossas atividades, colocamos diversas ideias em prática, passamos por diversos desafios para concluir cada texto postado, e mesmo quando estavamos sem criatividade não deixamos de nos esforçar. O blog vem crescendo muito, o que prova o nosso total comprometimento com ele, não pensamos só no que queremos falar, mas de certa forma com que querem ler.

Escrevemos tanto sobre literatura quanto filmes ou artistas do mundo da música, por todo este caminho, adaptamos alguns trabalhos acadêmicos, mas também produzimos conhecimento unicamente para o blog. Não estamos produzindo estes textos para inflar nossos egos, esperamos de todo o coração realmente transmitir o que alguns chamam de "cultura", de informar.

Agradecemos a todos os que nos vem acompanhando por todos estes meses, e por todos os elogios que nos foram dados, dos amigos que no corredor da faculdade nos parabenizaram, pelo apoio dos amigos feitos nas redes sociais e por todos os comentários dentro do próprio blog. Para não deixar de ser brega, vocês são todos importantes para a equipe do Café de Fita.

Nesta postagem, vinhemos deixar nossos votos: para aqueles que são cristãos ou para aqueles que só gostam de ganhar bons presentes um feliz natal, e para todos aqueles que comemoram o ano novo no 1º de janeiro, que seja próspero este ano de 2012.

Atenciosamente, Patrícia Roberta e Tiago Guillen (Equipe do Café de Fita)

P.S: A partir de hoje (21/12/2011) entraremos em férias e retomaremos nossas atividades no dia 02/01/2012.

[Cinema] The Night Before Christmas

2011-12-19T18:36:00.000-08:00

Já que estamos na semana pré-natal, selecionamos uma animação em clima de festa natalina!!

The Night Before Christmas é uma animação produzida pela Disney em 1933, a mesma está na coleção Silly Symphonies e em 1942 concorreu ao Oscar de melhor curta metragem animação, mas não levou o prêmio. O curta é baseado num poema de mesmo título do poeta americano Clement Clarke Moore, pequeno trecho do poema é lido no início e no final do vídeo.

A animação conta a história da passagem do Papai Noel em alguma casa na noite de natal para fazer a entrega de presentes. No vídeo a sala da casa onde a entrega de presentes serpa feita acaba funcionando como uma oficina de brinquedos, os objetos ganham vida e com as instruções do Papai Noel vão deixando a casa com um clima mais natalino, antigamente, segundo a tradição alemã, a árvore de natal só podia ser montada um dia antes da véspera de natal para que no dia seguinte quando as crianças acordassem tivessem uma surpresa agradável.

O trabalho está sendo feito, e sendo véspera de Natal, nada melhor que uma pequena pausa para uma festa. Na animação é tocada uma versão jazz de "Jingle Bells", os bonecos fazem um círculo ao redor da árvore e começam a dançar e até mesmo o Papai Noel não resiste e entre na festa tocando um piano de brinquedo. Mas talvez ele devesse ter tido um de seus duendes “ajudá-lo” um pouco com a última nota que sai de sintonia. Isso é suficiente para assustar o andar de cima e as crianças da casa acabam acordando para ver o que acontece na parte de baixo. Um pequeno espirro de uma criança é o suficiente para o Papai Noel acabar a festa e subir a chaminé como se nada tivesse acontecido, e as crianças ao descerem se deparam com uma cena linda e uma sala cheia de brinquedos.

A animação é super agradável e nela já podemos observar uma jogada de marketing: na animação aparece o personagem Mickey Mouse em forma de um boneco ajudante do Papai Noel. Esse mesmo boneco era um dos mais vendidos no periodo por conta das animações, mais tarde também seria feita uma animação sobre a páscoa e mais uma vez o Mickey entra somente como objeto de consumo, mas essa animação fica para outro post.

"Ouviram-no exclamar enquanto cavalgava fora da vista,

Feliz Natal para todos, e a todos uma boa noite! "

[Musica] Helloween e seus próprios covers que deram certo

2011-12-17T17:38:00.000-08:00

A banda de power metal alemã Helloween já percorre a estrada a quase 30 anos. Com musicas que tornaram-se clássicos para os headbangers de plantão, lançaram em 2010 um álbum atípico, o "Unarmed" com 11 covers destes clássicos, com novas roupagens e estilos totalmente diferentes do convencional. A primeira vista pode não agradar os mais conservadores mas pode encantar aos fãs mais antigos.

Seus álbuns mais famosos são o "Keeper of the seven keys part 1" e o "Keeper of the seven keys part 2" onde classicos como Dr Stein, Future World, Eagle fly free foram originalmente gravados(clique nas musicas para ouvi-las).

Aqui seguem as versões do disco "Unarmed

Dr Stein:

Future World:

Eagle fly free:

[Cinema] Howl

2011-12-15T21:05:00.000-08:00

O que é literatura? uma questão amplamente discutida, exitem teorias que dizem que é através da forma que se classifica a literatura, outras pautam-se na "novidade" de como esta mensagem é transmitida. E mesmo depois de muito estudar sobre, continuamos em duvida, afinal, o que realmente é literatura?

O filme "Howl" tem como discussão central este aspecto, e o processo de composição. E pro escritor o que é realmente a literatura? como se escreve um poema? Em meio a tribunais debatendo sobre o poema(howl) e entrevistas com o Allen Ginsberg, que misturam-se com lembranças de sua vida. As cenas que ilustram os processos de criação do poeta são em animação, enquanto é feita a leitura do poema as imagens vão ilustrando,não os versos, mas as sensações criadas por eles.

Outro tema abordado no longa, é o da censura, considerado por muitos o poema era obsceno e pornográfico, e é em torno da hipocrisia tipica dos anos 50 que circula boa parte dos debates. Não pode ser considerado literatura,por não ter uma forma inovadora, mas é rechassado por "imitar" outra poética. Para quem o texto é realmente obsceno? para o povo, intelectualizado, capaz de entender o poema, ou para o povo leigo que provavelmente nem chegará a ter acesso.

Quem interpreta Ginsberg no filme, é o ator James Franco. Com uma atuação impecável, demostrando o porque que irá conquistar ainda muito espaço no cenário hollywodiano. E sua leitura do poema é maravilhosa, sem nenhum defeito, com a devida eloquência. Perfeito!

Allen Ginsberg, foi um poeta da Geração Beat.

O poema Howl foi publicado em 1955, em seguida farei alguns cortes do poema original:

"I saw the best minds of my generation destroyed by madness, starving hysterical naked,

dragging themselves through the negro streets at dawn looking for an angry fix,

angelheaded hipsters burning for the ancient heavenly connection to the starry dynamo in the machinery of night,(...)"

"(...)who disappeared into the volcanoes of Mexico leaving nothing behind but the shadow of dungarees and the larva and ash of poetry scattered in fireplace Chicago,

who reappeared on the West Coast investigating the FBI in beards and shorts with big pacifist eyes sexy in their dark skin passing out incomprehensible leaflets,

who burned cigarette holes in their arms protesting the narcotic tobacco haze of Capitalism, who distributed Supercommunist pamphlets in Union Square weeping and undressing while the sirens of Los Alamos wailed them down, and wailed down Wall, and the Staten Island ferry also wailed,(...)"

[Música] Scenes from a memory

2011-12-13T19:33:00.000-08:00

Dream Theater é uma banda de metal progressivo dos EUA formada nos anos 80. A banda é conhecida pela qualidade técnica de cada um dos seus integrantes, sendo sempre bem aclamado pela crítica. Um exemplo famoso é o John Petrucci, guitarrista da banda e o mesmo foi nomeado como terceiro guitarrista do G3 (turnê musical periódica na qual se reunem três grandes guitarristas da atualidade para apresentarem suas composições solo) juntamente com Steve Vai e Joe Satriani, seguindo a trilha de guitarristas como Eric Johnson, Robert Fripp e Yngwie Malmsteen.

Mas o post de hoje não é sobre a banda, e sim sobre um de seus álbuns gravados em estúdio e o que uma dupla de franceses fizeram com esse CD!!!

Metropolis Pt. 2: Scenes from a memory é o quinto álbum de estúdio lançado pelo Dream Theater, em 1999.

Trata-se de um álbum conceitual sobre o personagem Nicholas e a descoberta de sua vida passada. A história é uma continuação da música "Metropolis Pt.1: The Miracle and the Sleeper", que está no álbum Images and Words. A intenção da banda não era escrever a segunda parte da canção, somente após pedidos de fãs é que a banda decidiu continuar o trabalho. A ideia inicial era escrever outra música e não um álbum inteiro. Durante as gravações de Falling into Infinity a obra começou a ser desenvolvida.

Fatal Tragedy, uma das músicas do

Scenes from a memory, vale a pena ouvir!

O cover master!

Dupla entre o James LaBrie, fantástico!

Pipo and Elo são um casal francês fã do Dream Theater, em 2007 começaram com um projeto de gravar covers de todas as músicas da banda e em especial do álbum Scenes from a memory. Todas as músicas são gravadas somente com voz e violão e o resultado é surpreendente. O Dream Theater acabou conhecendo o trabalho deles e é claro que aprovou. Hoje sempre antes de começarem algum show do DT, antes de entrarem no palco é tocada uma ou duas músicas das versões acústicas da dupla para os fãs apreciarem.

Cover de Fatal Tragedy, lindo!

Cover de Strange Deja Vu

Mais informações sobre o Pipo and Elo:

* Site oficial

* MySpace

[Cinema] Educação

2011-12-11T18:32:00.000-08:00

Não é necessário que todos os filmes se reinventem ou sejam como muitos esperam "originais", Educação segue essa linha: história normal e já abordada por outros filmes, mas apesar de ser simples, o filme tem uma levada boa e indicado aos que gostam de dramas mais "leves". Adaptação das memórias de Lynn Barber, o filme conta a história de Jenny Carey (Carey Mulligan) garota de 16 anos que vive com a família no subúrbio londrino em 1961. Inteligente e bela, sofre com o tédio de seus dias de adolescente e aguarda impacientemente a chegada da vida adulta. Seus pais alimentam o sonho de que ela vá estudar em Oxford, mas a moça se vê atraída por um outro tipo de vida. Quando conhece David (Peter Sarsgaard), homem charmoso e cosmopolita de trinta e poucos anos, vê um mundo novo se abrir diante de si. Ele a leva a concertos de música clássica, a leilões de arte, e a faz descobrir o glamour da noite, deixando-a em um dilema entre a educação formal e o aprendizado da vida.

O filme segue num ritmo bem agradável e pequenas discussões sobre como devemos lidar com o agora e com o futuro. Jenna se vê dividida entre a obrigação (que costuma ser chata) e liberdade, o contato com pessoas diferentes, divertidas e inteligentes, de um status e prestígio totalmente diferente do que ela costumava conviver. A vontade de ser livre é tão imensa que nem nos damos conta do quanto isso pode nos prejudicar, e foi desse jeito que a Jenna também pensou, não soube medir as consequências de seus atos. Outra discussão é até que ponto o interesse pode nos influenciar e nos fazer mudar de ideia (sobre essa parte, insisto que vejam ou filme, para evitar spoilers).

O grande marco do filme está na atuação da Carey Mulligan, indicada ao oscar como melhor atriz em 2010 (mas não saiu vencedora) e também indicada ao BAFTA (do qual levou o prêmio, bem merecido). A londrina de 26 anos fez seu primeiro papel aos 20 anos em "Orgulho e Preconceito", e assim como todas as boas atrizes que conhecemos desde cedo ela percebeu que seu trabalho está além de suas falas. No caso da Jenny (que muitos pensaram que ela não conseguiria representar uma menina de 16 anos, por ser mais velha que isso - 10 anos a mais) vai além, pois é nos pequenos gestos (nos tiques, risadas, timidez e a irreverência típica de uma adolescente) que ela nos prende ao filme, simplismente convenceu.

Educação se destaca também por seus valores de produção, destaque para direção de arte, cenários e figurinos que nos mostrou de forma bem realista como era Londres na década de 60. Outro ponto é a excelente fotografia de John de Borman, que nos mostra tudo que deve mostrar, as mais belas paisagens de Londres e Paris, dá vontade de voltar ao tempo e ir conhecer o clima aconchegante. A trilha sonora é ótima, um mix de blues e jazz e um pouco de rock'n'roll, entre os destaques estão: Ray Charles, Billy Fury, Melody Gardot e outros.

Trailer

Ficha técnica do filme, clique aqui!

[Literatura] Bronislaw Malinowski e as ideias do crime e costume

2011-12-09T17:59:00.000-08:00

Bronisław Kasper Malinowski (Cracóvia, 7 de Abril de 1884 — New Haven, 16 de Maio de 1942) foi um antropólogo polaco. Ele é considerado um dos fundadores da antropologia social. Fundou a escola funcionalista, suas grandes influências incluíam James Frazer e Ernst Mach.

Malinowski tomou uma posição original em relação aos conflitos de ideias do seu tempo. Ele não repudiou o nacionalismo, uma das ideologias nascentes e marcantes do século XIX. Mas ele fusionou o romantismo com o positivismo de uma nova maneira, tornando possível investigar as velhas comunidades, mas ao mesmo tempo recusando conferir autoridade ao passado. Ele rejeitou a especulação evolucionista e a manipulação do passado para fins do presente, pecados vulgares do seu tempo.

Sem dúvida, a principal contribuição de Malinowski à antropologia foi o desenvolvimento de um novo método de investigação de campo, cuja origem remonta à sua intensa experiência de pesquisa na Austrália, inicialmente com o povo Mailu (1915) e posteriormente com os nativos das Ilhas Trobriand (1915-16, 1917-18).

Inicialmente, se formou em Ciências Exatas, mas abandonou e, parado, se dedicou a ler The Golden Bough de James Frazer. Tal leitura iria direcionar sua pesquisa de campo por toda vida, assim mostra o conteúdo de suas obras: expressões da espiritualidade humana; compreensão do funcionamento da mente primitiva; reflexões sobre a vida e a morte, a humanidade e a animalidade, divindade e imortalidade; a magia como forma de controlar a natureza e garantir a sobrevivência humana; a influência do sexo sobre a vegetação; o Tabu e os perigos da alma (precauções que protegem o indivíduo e a sociedade); a coerência lógica entre os “selvagens”; os sistemas de regras que se combinam formando um todo bastante completo e harmonioso e etc. Todos os relatos trazidos por Malinowski sobre os nativos em suas obras deixam nítidos as influencias que herdou do pensamento de James Frazer.

Documentário produzido pela BBC sobre o Malinowski - Tales from the Jungle

está dividido em seis partes no youtube, infelizmente sem legenda,

mas pra quem puder assistir, vale a pena.

As outras partes clique: parte 2 | parte 3 | parte 4 | parte 5 | parte 6

Crime e Costume

Malinowski em seu texto "A lei primitiva e a ordem" vai abordar motivos pelos quais regras de conduta são obedecidas em sociedades primitivas. Até então se apresentava respostas redutivas para esses problemas como, por exemplo, "submissão instintiva" ou "sentimento de grupo", mas Malinowski concentra-se em uma visão mais abrangente da lei, como maneira de explicar a natureza das forças que fazem com que se torne obrigatório o cumprimento de regras.

A ameaça de coerção e o medo da punição não afetam o homem comum, seja ele selvagem ou civilizado, há que se saber que sociedade alguma poderia funcionar sem que houvesse uma maneira espontânea de obediência a regra, sem que seja excluída a necessidade de punição dos crimes. A respeito dos conceitos usados "submissão instintiva" ou "sentimento de grupo", Malinowski afirma não concordar com as expressões, assumindo, que sentimentos como solidariedade, orgulho da comunidade existem e são necessários para a manutenção da ordem social.

No texto Malinowski, rompe a ideia de que a lei primitiva seria uma lei negativa, assim como a ideia de que tais sociedades apenas desenvolveriam leis penais. Tais regras denominadas por analogia como lei civil são de maneira geral o que rege a vida tribal, não sendo fruto de organização expressa e nem constituindo um ordenamento jurídico. As leis, para Malinowski constituem um mecanismo de garantia de que o nativo não irá descumprir suas responsabilidades sem sofrer algum tipo de sanção.

Referências

MALINOWSKI, Bronislaw. Crime e costume na sociedade selvagem. Brasília/ São Paulo: Ed. UnB/ Imprensa Oficial do Estado, 2003.

[Cinema] Top 5 ("melhores" filmes de 2011)

2011-12-06T20:07:00.000-08:00

O ano de 2011 para o cinema não foi um dos melhores! Não sei se foi um ano em que andei afastado das salas de cinema, ou se as produções foram realmente "fracas" e sem graça. Não houve muitas surpresas, quase nenhum filme de tirar o fôlego, salas recheadas de filmes comerciais e baratos, adaptações terríveis, etc.

Então decidi fazer um balanço dos "melhores filmes de 2011" e senti muita dificuldade de classificá-los, de encontrar os filmes que preenchessem pelo menos um 'Top 5'. Não adotei nenhum critério técnico na escolha dos filmes, mas as escolhas não foram puramente arbitrarias e de meu gosto, acho que os filmes que serão citados merecem seus devidos respeitos e deveriam ser vistos por todos.

O "Top 5" não será em ordem prioritária, ou seja, não é um melhor do que o outro.

A Árvore da vida (The Tree of Life)

É o típico filme que quando entra-se no cinema não se sabe o que esperar, e não se tem a menor noção do que está por vir. Sei que o filme é cansativo e não é pro público em geral. Com nomes que chamaram muita atenção e ofuscaram seu propósito "maior". Metade da sala na qual eu estava saiu antes de completar uma hora de filme. Conceitual, em sua belíssima, porem longa, cena ilustrativa, onde nenhum dialogo acontece, nem se quer personagens aparecem. Com seqüências de imagens que me lembraram muito a trilogia Qatsi, é para mim o ponto alto do filme, a cesura, onde uma parte começa a chorar e a outra deixa definitivamente o cinema. Seus diálogos curtos e poéticos. Trazendo diversas reflexões sobre a vida.

Melancolia (Melancholia)

Dividido em duas partes, uma extremamente arrastada e outra mais solta. Traz à tona uma discussão muito real e próxima a nossa realidade "a dualidade do ser humano" é o ser humano capaz de ser racional ou a loucura é quem nos guia nas horas de desespero? Com uma direção de arte fabulosa, com um começo espetacular, atuações fantásticas. Um filme que merece respeito, e que provavelmente tirou e tirará o sono de muita gente por ai!

Meia-Noite em Paris (Midnight in Paris)

Todos os anos temos um filme do Woody Allen para nos alegrar, certeza de filme bom, e 2011 foi a vez desta comedia brilhante! Que brinca com intelectuais que viveram na cidade de Paris nos anos 20. Com uma discussão que perpassa onde vivem as ideias das quais nos utilizamos para compor uma Obra e qual o "mundo ideal" que gostaríamos de viver. Temos então a descoberta de uma loucura lúcida! Delicioso e para os mais entendidos do assunto piadas muito bem feitas.

Sucker Punch

É o "estranho no ninho" do nosso "Top 5", sua escolha diante outros filmes tão bons quanto foi a deliciosa experiencia de ver um universo fantástico tão bem explorado e administrado. Não foi um filme que agradou a muitos, mas o seu cenário Steampunk dá um ar diferente ao costumeiro. O filme nos trás a sensação de que estamos assistindo um conto do J.L Borges ou do J Cortazar(escritores da Literatura Fantástica Sul-americana) o que em si já vale cada minuto investido.

Minhas Tardes Com Margueritte (La Tête En Friche)

Um filme que trata a amizade com tanto zelo, que emociona sem esforços. Quando um zelador começa a se interessar pelo mundo da leitura, percebemos que de fato somos o que lemos, e que precisamos dos livros para escapar da realidade que nos circunda.

[Literatura] Manuel de Barros e seu encanto pelo nada

2011-12-04T17:20:00.000-08:00

Quando me foi apresentado Manuel de Barros, o único pensamento que passou pela minha cabeça foi “que porcaria é essa?” não tinha ainda a sensibilidade necessária para entende-lo e aprecia-lo. Poeta matugrossence, que comprou o próprio ócio, o direito de ser um vagabundo profissional e viver integralmente para o serviço da poesia.

Dito como um dos maiores poetas da língua portuguesa, alguns dizem ser ele maior que Fernando Pessoa, e boatos nos dizem que Drummond recusou o titulo de melhor poeta brasileiro vivo em favor de Manuel. Escreve desde os anos 30, mas só foi ter o devido reconhecimento quando Millôr Fernandes o descobre por volta dos anos 80.Ganhou diversos prêmios entre eles dois Jabutis.

Tentar falar da biografia de Manuel é como tentar definir o "nada", sua matéria preferida para a poesia. Teve três infâncias, afirma nunca ter saído dela, e nos informa que o ser biológico não interessa tanto quanto o letral, então nos ateremos somente no poeta.

Sua maior característica é o seu Idioleto Manuelês, que definido pelo próprio poeta seria "a língua dos bocós e dos idiotas" e que tem o potencial de "criar um universo tão absurdo quanto palpável.", absurdo por conseguir criar imagens inesperadas tanto com a mudança de classe de palavras como com a construção de neologismos, e palpável por tornar a poesia mais próxima da língua falada.

Sua poesia me encantou, e me fez seu escravo um ano após o primeiro contato quando ganhei o "livro sobre o nada". Soube da existência do documentário "só dez por cento é mentira" e assisti alguns pedaços soltos pela internet, e quando passeava nas estantes de poesia da livraria vi suas obras completas, e pensei "por que não dar uma nova chance?". Talvez deveria me arrepender de ter dado essa segunda chance, meu espanto foi tanto que nunca mais larguei seus livros. O "livro sobre o nada" tornou-se para mim um manual, um tratado, uma poética completa e rebuscada. Da qual nunca mais fui capaz de abrir mão. em passagens como "não saio de dentro de mim nem pra pescar" e "palavra poética tem que chegar ao grau de brinquedo para ser séria" fui entendendo como funcionava sua poesia, que seria mais ou menos como "voar fora da asa".

O documentário "só dez por cento é mentira" sua desbiografia oficial, encanta aos desavisados, os desinteressados e até aqueles que não vêem na poesia nada de belo, e só estranhezas. Uma obra de arte como definiu o próprio Manuel de Barros ao assistir, o que de fato é, com uma direção de fotografia deslumbrante que dá um toque ainda mais poético as falas e palavras do poeta. Dezenas de textos vão aparecendo em meio a sucatas e paredes descascadas. Enquanto os lápis são apontados, e os rabiscos são feitos. Com diversas entrevistas, e participações, o documentário é impecável, e impagável!

É na infância que o poeta busca ajuda para construir sua poesia, é como olhar de criança que transforma as construções gramaticais, em seu livro "Compêndio para o uso dos pássaros' abre com o poema "Poeminhas pescados na fala de João" que são falas de João de Barros quando era criança, ao lermos este poema com atenção perceberemos que todos os livros do poeta seguem essa linha de raciocínio, é na infância da linguagem que reside todo o material, e contem todo o potencial para transformar a poesia.

Um dos seus versos mais bonitos é quando descreve um artista plástico boliviano e nos conta o que aprendeu com ele "o olho vê, a lembrança revê, a imaginação transvê. É preciso transver o mundo" afirmando que o mais importante é a invenção, "tudo que eu não invento é falso"

Poderia continuar a escrever dezenas de parágrafos sobre o grande Manuel, mas deixarei isto para uma próxima oportunidade

[Música] Owen Pallett

2011-12-02T18:17:00.000-08:00

Micheal James Owen Pallet é um compositor, violinista, tecladista e cantor canadense, de Toronto, Ontario. Conhecido por seu trabalho solo, antes intitulado Final Fantasy e hoje usa seu próprio nome no projeto. Na sua banda como nomes principais estão o Taheny Leon (baterista e engenheiro musical), Thomas Gill (percucionista) e também Rob Gordon e Matt Smith (colaboradores e ex Les Mouches).

Palett é notado por suas performaces ao vivo, onde o mesmo toca violino com um "loop pedal".

Final Fantasy

O nome Final Fantasy em que o Pallett registra suas canções até o segundo álbum foi uma homenagem ao famoso jogo de mesmo nome, embora o canto admita "ser fã, mas não tem muita paciência para jogar os jogos".

O primeiro CD, Has a Good Home foi lançado em 2005 pela Blocks Recording Club, uma gravadora/cooperativa com sede em Toronto da qual o Owen é membro fundador. Entre as músicas destaques desse CD estão "An arrow in the side of final fantasy", pegou emprestado a música do último nível do Super Mario Land 2. "Adventure.exe" foi usada por 2.006 vezes em comerciais da empresa de telecomunicações inglesa "Orange SA", Pallett diz que não tinha a intenção de vender música para essa finalidade, mas seu uso foi autorizado devido a uma alegada falta de comunicação entre compositor e gravadora. Toda a renda a partir da propaganda é doada para os Médicos sem fronteiras.

Seu segundo álbum, Hes Poss Clouds, foi lançado em junho de 2006, com a mesma gravadora. As canções desse disco (oito das dez) contam a história das escolas de magia descritas no Dungeons & Dragons. O disco foi bem recebido pela crítica, ganhou o prêmio Polaris no mesmo ano de lançamento. Mas desconfortável com o recebimento de um prêmio patrocinado por um conglomerado de empresas de telefonia móvel, Pallett doou o dinheiro para bandas que ele gostava e que precisavam de alguma ajuda financeira para gravação de CD e divulgação da banda.

Em 2007, a canção "This is dream of win & regine" foi usada em um comercial para a Wiener Stadtwerke sem a permissão do artista. Em vez de um processo, Pallett garantiu da empresa um patrocinio para idealizar um festival de música com sua curadoria, resultou no Maximum Black Festival, que juntou bandas como The Dirty Projectors, Frog Eyes, Max Tundra, o próprio Final Fantasy e outros. O festival foi executado em Viena, Berlim e Londres. Nesse mesmo periodo o Owen conheceu o Vincent Moon e juntos gravaram o Take Away Show.

Por fim, em 2009 Owen anuncia que estaria "aposentando voluntariamente o nome Final Fantasy", para o lançamento do seu próximo CD "Heartland" usaria seu próprio nome para emissão e divulgação. Para ele seria como um divisor de águas, tanto pela diferença entre os CD's já lançados e também para distinguir definitivamente sua música da "Square Enix Game's" (empresa japonesa de video games que distribui o jogo Final Fantasy). Heartland foi lançado em 2010, pela Domino Records, e também deve grande repercussão na cena indie e bons comentários dos críticos da área.

Discografia

Has a Good Home (2005)
Hes Poos Cloud (2006)
Heartland (2010)

Mais informações:

Site Oficial

Myspace

[Musica] Covers que deram certo! 6

2011-11-30T19:01:00.000-08:00

"Bigmouth strikes again" foi o principal single do disco "The queen is dead" dos The Smiths, a versão cover do Placebo teve algumas passagens da letra alterados e foi lançado como um B-side

"Have you ever seen the rain" é uma das musicas mais famosas do Creedence Clearwater Revival, o cover foi feito pela banda Brasileira Dr. Sin

a musica "the big medley" foi gravada pela banda norte americana de metal progressivo, nela não são feitos apenas um cover, mas 6. Começando com "In the flesh" do Pink Floyd(original do disco The Wall) seguindo de "Carry On Wayward Son" do Kansas, depois "Bohemian Rhapsody" da banda Inglesa Queen, "Lovin, Touchin, Squeezin" do Jorney é a quarta, "Cruise Control" dos Dixie Dregs e finaliza com a musica "Turn It On Again" Do Genesis!

Bigmouth Strikes Again do The Smiths

Have you ever seen the rain do Creedence Clearwater Revival

No Medley do Dream Theater, não colocaremos as originais pois queremos que vocês descubram este caminho...

[Cinema] Tempo de crescer

2011-11-28T19:26:00.000-08:00

Sempre enfrentamos momentos de solidão, dos quais achamos que não temos as ferramentas corretas para nos livrar. Olhamos a nossa volta e percebemos que somos apenas desajustados, loucos por natureza. Isolados do mundo material que nós vivemos todos os dias de nossas vidas. Enquanto crianças criam seus próprios mundos de fantasia para suportar tamanha dor, os adultos fingem que nada está acontecendo.

"Tempo de crescer" é um filme que vem com rótulo de comedia, mas passa longe dos "besteirois" convencionais que encontramos nos cinemas na atualidade. Profundo e cativante! Sem deixar de ser realmente engraçado e inteligente.

Richard é um escritor de meia idade em crise, tentando concluir seu novo romance, na verdade tentando começar. Casado com Claire, uma cirurgiã vascular, que ilustra a sanidade do casal. Extremamente racional, vai contornando todas as maluquices do marido, mas até a mais sã das mentes, um dia vai acabar desgostando. Richard ainda possui seu amigo imaginário, "Capitão Excelência" um super herói que já foi de tudo na vida do escritor, e atualmente desempenha o papel do bloqueio criativo, sempre impedindo que alguma letra chegue a tocar no papel.

Quando Richard se muda para uma pequena cidade do interior, para tentar buscar inspiração para o seu romance, e acaba conhecendo uma adolescente e aproximando-se dela. Abby, é uma garota tão solitária, estranha e deslocada quanto o protagonista. A amizade dos dois acaba trazendo um pouco de luz para ambos. Os diálogos do filme são profundos e poéticos, discutindo sobre os temas mais batidos do cinema com maestria, como casamento, filhos, vida, e amor. Como podemos gerar filhos se tratamos as pessoas de forma tão fria, como se fossem maquinas que quebram, que morrem?

Richard não é aquele tipico protagonista escritor fanfarrão, que acha seu trabalho brilhante mas incompreensível. Ele representa a verdadeira alma do escritor, inconstante, detestando cada ideia jogando-as sempre no lixo. Conservador trabalha em uma antiga maquina de escrever sua companheira de aflições. As cenas em que tenta começar seu trabalho algo o interrompe, sua maior dificuldade é descobrir o nome do personagem principal. Em vez de realmente trabalhar as ideias Richard está preocupado em dar uma razão para as suas mãos, arrumar uma função útil para a humanidade. Contra ponto interessante já que não são as ideias a maior ferramenta do escritor para escrever, mas suas mãos que o ajudam a realmente transformar as ideias em linguagem.

[Cinema] Logorama

2011-11-26T18:37:00.000-08:00

Logorama é uma animação francesa, escrita e dirigida por François Alaux, Hervé de Crécy e Ludovic Houplain e produzida por Autour de Minuit. A animação se passa em Los Angeles e através do uso de mais de 2.500 logos e mascotes mostra situações cotidianas. Também foi vencedora do melhor curta animação do Oscar em 2010.

Logorama - legendado from Paulo Marinho on Vimeo.

A cena de abertura é um panorama de Los Angeles e daí já começamos a nos deparar com as marcas, elas vem em forma de tudo: prédios, pessoas, animais, automóveis e outros. O curta conta a história de uma dupla de policiais (representados pela logo dos pneus Michelin) que recebem uma chamada para perseguir um bandido (representado pelo Ronald Mcdonald).

O curta aborda o capitalismo partindo de um pensamento sobre uma sociedade artificial, bem como vivemos hoje. Uma sociedade que pode ser considerada em identidade. Enquanto a maioria dos filmes nos mostra um mundo com um mínimo de propagandas (a não ser aquelas que pagaram para estar ali), Logorama faz o oposto: monta uma trama onde os personagens são ícones de marcas famosas sem parecer um comercial gigante. Esses logos estão tão incorporados em nosso cotidiano que nem nos damos conta da proporção disso, fica bem clara a critica feita ao consumismo desenfreado, onde é feita uma interligação entre os logos e o que seus personagens representam (a briga entre mocinho X vilão), se é que existe mesmo essa diferença.

Outra critica feita é a propaganda mental e a poluição visual, quantas vezes não estampamos no nosso peito, na barra do jeans, numa mochila, tênis, uma marca da qual gostamos, mas nem se quer percebemos que estamos pagando para fazer propaganda de seus produtos. Marca também é sinônimo de status, é através do que consumimos que mostramos nosso poder aquisitivo e a que meio social nos pertencemos, o que acaba gerando um problema de estratificação social, arranjo hierárquico entre indivíduos em divisões de poder e riqueza em uma sociedade.

Devemos nos preocupar em readquirir nossa identidade que há muito tempo foi perdida e deixar de ser marionetes manipulados pelas grandes empresas, ou de qualquer fonte de poder que represente alguma forma de domínio exacerbada.

[Literatura] Uma categoria do espírito humano: a noção de pessoa, a de “eu”

2011-11-24T16:38:00.000-08:00

Marcel Mauss (Maio de 1872 — Fevereiro de 1950) foi um sociólogo e antropólogo francês, nascido quatorze anos mais tarde e na mesma cidade que Émile Durkheim, de quem é sobrinho. É considerado como o "pai" da etnologia francesa.

Para o autor, o elementar das sociedades, em todos os tempos históricos, é o intercâmbio e a dádiva. Um de seus focos principais são as prestações totais, através das quais "tribos" e "metades" intercambiam tudo que lhes é importante: festas, comidas, riquezas, mulheres, crianças e outros. As prestações totais acontecem quando um chefe ou grupo compete com outro sobre quem pode dar mais. Dar, receber e retribuir é, para Mauss, três momentos distintos cuja diferença é fundamental para a constituição e manutenção das relações sociais. A dádiva opera uma mistura entre amizade e conflito, interesse e desinteresse, obrigação e liberdade. Também mistura as pessoas que se presenteiam as coisas e as pessoas, as coisas e os espíritos.

Em "Uma categoria do espírito humano: a noção de pessoa, a de “eu”" Mauss analisa a caracterização das pessoas como definição social nas sociedades tradicionais e com isso construir uma historia social da noção de persona. Essa noção se representa nas sociedades primitivas como uma entidade social. “O que quero mostrar é a série das formas que esse conceito assumiu na vida dos homens das sociedades, com base em seus direitos, suas religiões, seus costumes, suas estruturas sociais e suas mentalidades.” (MAUSS, p.371)

No texto também mostra de que forma a noção de pessoa adquiriu corpo em diversas sociedades, passando pela máscara, o personagem, o nome e sua significação em diferentes sociedades, a consciência moral até chegar à noção de pessoa como uma forma fundamental do pensamento. “a “pessoa” é mais do que um elemento de organização, mais do que um nome ou direito a um personagem e a uma máscara ritual, ela é um fato fundamental do direito.” (MAUSS, p. 385)

Essa ideia de entidade social mudou um pouco após o período romano onde a noção de pessoa humana passou a ser completa e independente de qualquer outra, só era dependente de Deus. Roma seria a passagem da noção de pessoa como um fato de organização social para um fato fundamental do direito. O que também pude perceber do texto é que para Mauss, as pessoas aparecem como prisioneiros de uma estrutura de necessidades, que apesar da experiência como um “ser psicológico” ainda tem em suas formas (persona, moral cristã) uma categorial social bem marcada.

Referências
MAUSS, Marcel. 2003. Sociologia e Antropologia. 2 vols. São Paulo: Cosac & Naify

[Curiosidades] o Inutensílio Poético

2011-11-22T20:06:00.000-08:00

O projeto "Inutensílio poético" foi a junção da paixão pela fotografia e pela poesia. Foi a necessidade de tentar fugir ao convencional lápis e papel, a tradicional metrificação da poesia, a reinvenção da linguagem. Por que não construir a poesia concreta visualmente falando? Não só no papel, mas expandi-la pra fora da página, elevá-la a um objeto fotográfico. Nesta perspectiva e tentativa de inovar a estrutura como um todo. Nascida em dezembro de 2010, logo após uma Bienal de Arte Moderna na cidade de São Paulo, e pouco antes de uma viagem inesquecível, surgia a ideia, o nome e a primeira poesia

"A poesia passeia entre o fundo e o nada". é o que eu posso dizer "a primeira tentativa", com diversos pontos fortes e outros nem tanto, deram margem as futuras tentativas e erros. existem detalhes na fotografia que fazem parte do poema, a estrutura saiu da linguagem escrita e passou a ser visual. Posso dar como exemplo elementos fotográficos e elementos físicos que interferem na leitura do poema, o foco na palavra "entre" é a cesura do texto dividindo-o em duas partes distintas, a poesia transeunte, e o fundo onde buscam a inspiração para o nada. Ao usar o primeiro Post-it e o último virados pro lado contrário dos demais, percebemos a nova formação "poesia e o nada", ampliando assim sua leitura.

Influenciado pela Poesia concreta, e a poesia marginal dos anos 70, que estudaram e desenvolveram a linguagem poética a um grau que muitos chegaram a pensar em "e agora? pra onde vamos?". Depois de muito amadurecimento, diversos estudos, tanto teóricos no campo da poesia que com intelectuais como os irmãos Campos e Décio Pignatari mentores do movimento concreto no Brasil, Paulos Leminski um dos grandes nomes da poesia marginal (o nome do projeto vem de um ensaio do poeta curitibano) e a Tropicália, me ajudaram a juntar informação o suficiente para tentar criar algo novo.

Ao mesmo tempo trabalhando como fotografo, fui desenvolvendo estudos no campo da composição fotográfica, que me ajudaram a concretizar as ideias. Juntar a luz do poema com a poesia da luz.

O projeto será constituído de poemas concretos meus e releituras de grandes nomes da poesia, como Manuel de Barros, João Cabral de Melo Neto e Fernando Pessoa. Releituras estas de versos originais em um formato de poesia concreta. Onde não só serão produzidas poesia fotográficas como também pequenos stop-motions!

E agora no final de 2011 perto de completar 1 ano de idealização teórica e muito estudo, chegou a hora de concretizar e de realmente tirar do papel. Levar pra frente e acreditar na poesia como um meio de vida e gritar "lugar de poesia é na calçada!"

p.s AQUI vocês podem ver outros testes...

[Cinema] Quando Walt Disney encontra com Salvador Dali.

2011-11-20T16:23:00.000-08:00

Uma das maiores escolas de animação do mundo, a mega corporação Walt Disney, decide em 2003 reatar um projeto antigo de seu renomado criador com o pintor espanhol surrealista Salvador Dali. Em meados da década de 40 Dali desenhara os sketches que dariam origem ao curta “Destino” considerado na época “impossível” de ser realizado. Anos mais tarde, depois que ambos os autores já haviam morrido, John Hench num momento mais maduro da animação aproveita o potencial do curta e dá forma as ideias dos dois grandes mestres.

O curta trata da historia de Chronos, personificação do tempo, e seu vão amor por uma bela mortal. Ao observar os movimentos, os gestos, o vento no cabelo, Chronos vai se apaixonando pela dança eterna da sobrevivência humana, onde cada passo expressa diversas reações, desejo, medo, deslumbramento dentre vários outro sentimentos. Contrastando com diversos expoentes de sua obra, Salvador Dali deu “ação” aos seus quadros Surrealistas. Podemos encontrar referências aos pequenos insetos trabalhadores que aparecem com imensa freqüência em seus trabalhos, referência aos quadros “metamorfose” e “Sleep LeSommeil", dentre muitos outros (segue nos anexos link da galeria do pintor)

Ao rebelar-se contra o inevitável sofrimento, Chronos desprende-se de seu plano etéreo e passa ao mundano. Mas ao fazê-lo, percebe que nunca iria encontrá-la, pois sendo o tempo dos homens diferente do tempo divino, Chronos vê toda a evolução humana, e sofre de todos os seus pequenos pesares. Vê formigas transformando-se em homens, metáfora da escravização mental da rotina humana de trabalho. Vê o mundo das ideias se transformar e ser recriado, e vê também a morte de sua amada, vê o fim da existência humana. Percebemos que o tempo não passou da mesma forma para os personagens, quando notamos na aparência que perpassa da pedra ao jogador de Baseball. Uma das mais belas imagens do curta é o labirinto, mais uma metáfora do tempo improvável. A bela dançarina encontra seu amor pelo tempo, mas nunca consegue alcançá-lo.

Galeria do Pintor Salvador Dali

[Música] Covers que deram certo! 5

2011-11-18T19:16:00.000-08:00

Hoje os covers selecionados estão bem POP!

Versões bem diferentes e legais das músicas que acredito que boa parte de vocês (leitores) devem conhecer.

1. Yael Naim - Toxic (cover da Britney Spears)

Yael Naim é uma cantora e compositora franco israelita, no seu CD lançado em 2007 (de título Yael Naim) gravou uma versão bem diferente de Toxic.

Para escutar a versão original clique aqui!

2. Coeur de Pirate - Umbrella (cover da Rihanna)

Coeur de Pirate é um projeto musical da cantora e pianista Béatrice Martin, o cover foi executado no concerto Printemps de Bourges em abril de 2009 e desde então a Béatrice as vezes toca em algum show.

Para escutar a versão original clique aqui!

3. Paragon - Larger than life (cover do Backstreet boys)

Paragon é uma banda de heavy/power metal de Hamburgo, Alemanha. A versão é muito boa, vale a pena ver.

Para escutar a versão original clique aqui!

4. The Welcome Wagon - Half a person (cover do The Smiths)

The Welcome Wagon é uma banda de indie pop de Nova York, esse cover faz parte do CD Welcome to the welcome wagon.

Para escutar a versão original clique aqui!

[Música] Sufjan Stevens e o Illinois

2011-11-16T17:50:00.000-08:00

Sufjan Stevens é um multi-instrumentista norte americano, nascido em Detroit, Michigan.

Seu trabalho começou com a fundação do selo/gravadora Ashmatic Kitty em 1999, com isso lançando seu primeiro cd o "A Sun Came", desde então foram lançados 10 CDs em estúdio, sendo o "Illinois" lançado em 2005, o mais aclamado e o que o fez ser reconhecido pela crítica musical.

Desde o inicio do seu trabalho, fez gravação de estilos bem variados, passando pelo eletrônico em "Enjoy your habbit" e o lo-fi folk de "Seven Swans". Stevens faz uso de uma grande variedade de instrumentos (muitos tocados por ele mesmo durante as gravações) e muito desses instrumentos são usados numa mesma música.

O Illinois foi lançando em 2005, quinto álbum de estúdio da carreira do Sufjan Stevens.

Suas canções apresentam lugares de referencia, eventos e pessoas relacionadas com o estado dos EUA de Illinois, esse álbum também fez parte do projeto em que o Sufjan tinha a intenção de gravar um cd para cada estado dos EUA (ao todo seriam lançados 50 CDs), mas com alguns problemas o projeto acabou sendo cancelado, mas o artista informou que mesmo assim pretende gravar pelo menos uma música para cada Estado.

Steven gravou o álbum em lo-fi e com uma grande variedade de instrumentos entre o final de 2004 e o inicio de 2005. Foi feita uma pesquisa em documentos literários e históricos para que fossem desenvolvidas as letras das canções. Apos a data de lançamento em 04 de julho de 2005 o disco foi promovido em turnê mundial com mesmo titulo do CD.

Separei algumas historias que são abordadas no CD:

* Concerning the UFO Sighting Near Highland, Illinois - é sobre um avistamento de um OVNI por policiais perto de Highland, Illinois, várias pessoas também relataram ter visto um grande objeto triangular com três luzes voando a noite.

* Come on! Feel the Illinoise!: Pt. 1: The World's Columbian Exposition - faz referencia a Feira Mundial de Chicago realizada em 1893 para celebrar o aniversario de 400 anos da chegada de Cristovão Colombo as Américas.

* John Wayne Gacy, Jr. - conta a historia de um serial killer de mesmo nome da década de 70, conta sua infância, e como o mesmo usava clorofórmio para subjugar suas vitimas (geralmente crianças do sexo masculino).

* Casimir Pulaski Day - entrelaça uma historia pessoal com o feriado estadual de mesmo nome.

* Man of Metropolis Steals Our Hearts - faz referencias ao Superman

* They Are Night Zombies!! They Are Neighbors!! They Have Come Back from - conta a historia de uma cidade supostamente mal assombrada de Illinois e relaciona com experiências de um acampamento de verão que foi quando criança.

As outras faixas do CD, também fazem boas referencias, vale a pena conferir.

Outra coisa engraçada é que ao começar a turnê do Illinois, Sufjan e banda passaram a vestir o uniforme “cheerleader” da Universidade de Illinois.

Bem complicado escolher somente uma música pra colocar no post,

mas acho que essa caracteriza bem como é o ritmo do CD.

[Literatura] Durkheim e a Solidariedade Orgânica

2011-11-14T14:57:00.000-08:00

Segunda parte do trabalho para a cadeira de Teoria Sociológica Clássica, para ver a primeira parte, CLIQUE AQUI!

De modo distinto (da solidariedade mecânica) existe a solidariedade orgânica que é a do tipo que predomina nas sociedades ditas "complexas" ou "modernas" do ponto de vista de maior diferenciação individual e social (o conceito é aplicado para sociedades capitalistas).

Quando a maneira como os homens são solidários se modifica, a estrutura da sociedade não pode deixar de mudar, com isso a solidariedade mecânica que até então era a única, vai perdendo terreno para a solidariedade orgânica. Esses indivíduos além de não compartilharem dos mesmos valores e crenças, os seus interesses são bastante distintos e a consciência individual é mais acentuada.

A divisão social do trabalho é mais desenvolvida e complexa, se expressa nas diferentes profissões e variedade das atividades industriais. Durkheim emprega alguns conceitos das ciências naturais, em particular da biologia. Muito em uso na época em que ele começou seus estudos sociológicos, com o objetivo de fazer uma comparação entre a diferenciação crescente sobre a qual se assenta a solidariedade orgânica.

Durkheim afirma também que a divisão social do trabalho não pode ser reduzida apenas a sua dimensão econômica, no sentido que ela seria responsável pelo aumento da produção, mas, além disso, a divisão social do trabalho tem uma função moral, no sentido de que ele passar a ser o elemento chave para a integração dos indivíduos na sociedade. Também concebe a sociedade moderna como grandes organismos vivos, onde os órgãos são diferentes entre si, mas todos dependem um do outro para o bom funcionamento do ser vivo, a crescente divisão social do trabalho faz aumentar também o grau de interdependência entre os indivíduos, mas também faz crescer o sentimento de individualidade, a consciência coletiva acaba perdendo seu papel na interação social.

Durkheim explica: “os efeitos produzidos pela divisão social do trabalho contribuem para manter o equilíbrio da sociedade” (p.95), ou seja, quanto mais o trabalho for dividido, maior rendimento terá. A coesão social não está assentada em crenças, valores sociais e religiões, mas nos códigos e regras de conduta que estabelecem direitos e deveres e se expressam em normas jurídicas, isto é, o direito restitutivo, e são essas normas que garantem a coesão social. Durkheim também explica que a sociedade não depende tanto da vigência de um sistema de crenças e sentimentos comum a todos, mas de uma moral profissional para cada atividade especializada e de normas legais que viabilizam a dependência mútua. “O direito restitutivo cria órgãos cada vez mais especiais: tribunais consulares, tribunais trabalhistas, tribunais administrativos de toda sorte. Mesmo em sua parte mais geral, a saber, o direito civil só entra em exercício graças a funcionários particulares: magistrados, advogados, etc.,que se tornaram aptos a esse papel graças a uma cultura toda especial.” (p.87) E sobre o direito restitutivo: “o direito restitutivo nada teria em comum com a solidariedade social, pois as relações que regula ligariam os indivíduos uns aos outros sem vinculá-los a sociedade”. (p.87/88)

Segundo Durkheim, se separarmos, do direito restitutivo, as regras, o que resta “constitui um sistema não mesmo definido que compreende o direito doméstico, o direito contratual, o direito comercial, o direito processual, o direito administrativo e o constitucional”

Mesmo o direito doméstico ser dividida em: 1)“quem é o encarregado das diferentes funções”, que responde as qualidades e condições em que ocorrem o casamento e a 2)“qual o tipo normal dessas funções e relações” responde indica quais os deveres e direitos dentro e fora do casamento. Ou seja, essa parte do direito civil é uma conseqüência do da divisão do trabalho doméstico. Segundo Durkheim “a história da família, a partir de suas origens, nada mais é que um movimento ininterrupto de dissociação, no curso do qual essas diversas funções, a principio indivisivas e confundidas umas com as outras, separam-se pouco (...) repartidas entre os diferentes parentes, segundo seu sexo, sua idade, suas relações de dependência, de maneira a fazer de cada um deles um funcionário especial da sociedade doméstica” (p.99).

A sociedade é permeada por contratos, pois “contrato é, por excelência, a expressão jurídica da cooperação” (p.100). Mesmo os contratos que não envolvem dinheiro resultam em um compromisso, pois “cooperar, de fato, é dividir uma tarefa (p.100)” onde o contrato é o símbolo dessa troca e a troca explicita uma divisão de trabalho mais ou menos desenvolvida (p.101) e amarra uma série de outros de outros contratos.

Outros contratos explicitam essa divisão, o comercial regulamenta as atividades no comercio e institui agentes, funções especiais, que regulamentam seu funcionamento em caso de dúvida na aplicação das regras e conciliação de interesses; o processual institui também as funções especificas para regular as regras (advogados, juízes, etc.). O mesmo ocorre com cada um dos ramos do direito: funções são criadas para regular sua aplicação. Toda a função tem certa generalidade, ou seja, vão além da consciência comum, pois é da opinião pública que vem a sua autoridade (p.104). Sendo assim, “O direito tem na sociedade um papel análogo ao do sistema nervoso no organismo” (p.105).

Podemos – em síntese dividir a solidariedade orgânica e mecânica partindo de algumas características:

Mecânica	Orgânica
“Liga diretamente o individuo a sociedade”	A sociedade “depende das partes que a compõem”
“Conjunto mais ou menos organizado de crenças e sentimentos comuns”	“sistema de funções diferentes e especiais unidas por relações definidas”
“só pode ser forte à medida que as idéias e as tendências comuns a todos os membros da sociedade sueram em número e intensidade as que pertencem pessoalmente a eles”	A consciência individual “deixa descoberta uma parte da consciência individual, para que nela se estabeleçam essas funções especiais”

Referências

DURKHEIM, Émile. Da divisão do trabalho social. São Paulo: Martins Fontes, 2003.

Nota: Parte de Trabalho feito em grupo com Lunara, Maria e Giovana, todas do Bacharelado em Ciências Sociais pela UFPE

[Atualidades] Reflexões sobre o que anda acontecendo no Brasil

2011-11-09T19:07:00.001-08:00

Sou a favor sim: da total descriminalização da maconha, e de sua legalização. Droga esta que o único mal que pode fazer é nos deixar “atemporalizados”, ou seja, alarga ou encurta a vivência da duração do tempo, gerando estados incompatíveis com o tempo medido pelos ponteiros do relógio.

Nossa sociedade aparenta estar engessada, enferrujada, onde nos últimos acontecimentos nacionais envolvendo a Maconha, a atitude governamentista foi extremamente ditatorial. Alunos estão sendo criminalizados por um crime que não existe. O único “crime” que anda sendo cometido é o desacato moral e social, mas não de autoridade.

Se ao termos uma maior consciência do que anda nos assolando e causando desconforto, e nos levantamos para lutar por uma causa maior, não é, de forma alguma, um crime contra a sociedade e sim um golpe de estado na hipocrisia que nos rodeia. É muito fácil criticar a maconha, e culpabiliza-la por todos os malefícios da atualidade, quando “todos os jovens” bonitos e atletas viraram rastas e filósofos, que nada mais sabem fazer além de contemplar as galáxias do pensamento.

Ao contrario do que anda sendo divulgado pela grande mídia Brasileira, o protesto dos estudantes da USP, foi só impulsionado pela atitude dos policiais em prender três usuários. Mas o que se desenrolou a partir disso tem haver com a índole nacional e a democracia.

Foi cobrada a liberdade de expressão e uma não opressão aos “modos alternativos” de pensamento, enquanto reais criminosos rodeiam os campi espalhados por todo o Brasil, assaltando, estuprando, roubando patrimônio (algo que assolou o primeiro semestre de 2011 na UFPE, onde dezenas de notebooks e datashows foram roubados) os policiais estão engessados prendendo simples “filhinhos de papai” que não fazem mal real nenhum para a sociedade.

Se o problema são as Drogas, hora de realmente pensar a favor de uma legalização, já que culparão também o trafico, produto inventado pelos moldes atuais de repressão. E quando Milton Santos nos disse que “o discurso da universidade não é o discurso da verdade” nos aludiu que, o sistema não quer jovens que pensem e dialoguem com o que é ensinado, simplesmente absorvam e tornem-se simples escravos de um único ponto de vista.

E os já citados “maconheiros” são os que colocam este modelo em cheque, universitários que estão dispostos a repensar nossa sociedade e a debater mudanças positivas. Alguns andam achando que é pelo direito de fumar sem ser importunado, sem perceber que a dita “revolução dos mimados” cobra liberdade, e diz não ao modelo ditatorial que pelo visto ainda vivemos.

E esta revolução nada é além de um estopim, um tsunami maior que está por vir.

[Literatura] Durkheim e a Solidariedade Mecânica

2011-11-07T18:02:00.000-08:00

Émile Durkheim (abril de 1858 - novembro de 1917) é considerado um dos pais da Sociologia Moderna. Durkheim foi o fundador da Escola Francesa de Sociologia, posterior a Marx, que combinava a pesquisa empírica com a Teoria Sociológica. É amplamente reconhecido como um dos melhores teóricos do conceito da coesão social.

Partindo da afirmação de que "os fatos sociais devem ser tratados como coisas", forneceu uma definição do normal e do patológico aplicada a cada sociedade, em que o normal seria aquilo que é ao mesmo tempo obrigatório para o indivíduo e superior a ele, o que significa que a sociedade e a consciência coletiva são entidades morais, antes mesmo de terem uma existência tangível. Essa preponderância da sociedade sobre o indivíduo deve permitir a realização deste, desde que consiga integrar-se a essa estrutura.

Para que reine certo consenso nessa sociedade, deve-se favorecer o aparecimento de uma solidariedade entre seus membros. Uma vez que a solidariedade varia segundo o grau de modernidade da sociedade, a norma moral tende a tornar-se norma jurídica, pois é preciso definir, numa sociedade moderna, regras de cooperação e troca de serviços entre os que participam do trabalho coletivo (preponderância progressiva da solidariedade orgânica).

A sociologia fortaleceu-se graças a Durkheim e seus seguidores. Suas principais obras são: Da divisão do trabalho social (1893); Regras do método sociológico (1895); O suicídio (1897); As formas elementares de vida religiosa (1912).

Da Divisão do Trabalho Social - Solidariedade Mecânica

Durkheim inicia sua abordagem sobre solidariedade social, levantando a seguinte questão: no que consiste o crime? Ao levantar essa questão, também é proposto pensar qual a relação existente entre o crime e a consciência coletiva. Por mais que possam parecer diferentes, segundo Durkheim, todos os crimes têm algo em comum, a prova disso é a reação da sociedade. Crimes são atos reprimidos por castigos, ou seja, a pena. Se quisermos saber em que consiste o crime, é necessário mostrar as características idênticas em todas as variedades criminológicas. É possível encontrar tal característica na relação que o crime mantém com algo que lhe é exterior. Essa relação é uma espécie de oposição entre as ações e os interesses sociais. “Embora o ato criminoso seja certamente prejudicial à sociedade, nem por isso o grau de nocividade que ele apresenta é regularmente proporcional à intensidade da repressão que recebe.” (p.41) Como também um ato pode se prejudicial à sociedade sem que haja repressão. O exemplo usado por Durkheim é o assassinato, que é considerado o mais grave dos crimes e, no entanto uma crise econômica pode ser muito mais desastrosa à sociedade. “A única característica comum a todos os crimes é que eles consistem em atos universalmente reprovados pelos membros de cada sociedade” (p.43), ou seja, ele fere com sentimentos que estão presentes em todas as consciências de um mesmo tipo social.

É impossível determinar quais são esses sentimentos dos quais a ruptura constitui o crime, mas é possível o distinguir dos outros pelo fato de serem comuns à grande média dos indivíduos de uma mesma sociedade. “Como estão gravadas em todas as consciências, todo o mundo as conhece e sente que são fundamentais” (p.44). Isso explica porque o direito civil, presente nas sociedades modernas, determina a obrigação e a maneira como ela deve ser sancionada e, o direito penal, característico das sociedades primitivas, só edita as sanções, já que a regra é conhecida e aceita por todos. Entretanto, algo pode ferir os sentimentos coletivos sem que haja crime. Um exemplo disso é o incesto, pois causa aversão geral, mas é simplesmente imoral. “Os sentimentos coletivos a que corresponde o crime devem, pois, singularizar-se dos outros por alguma propriedade distintiva: devem ter certa intensidade média” (p.47). O direito penal atesta a força dos sentimentos coletivos, é notável por sua clareza e exatidão, enquanto as regras morais de algo de impreciso. Podemos dizer então que “o conjunto de crenças e dos sentimentos comuns à média dos membros de uma mesma sociedade forma um sistema determinado que tem vida própria, podemos chamá-lo de consciência coletiva” (p.50). Logo, “um ato é criminoso quando ofende os estados fortes e definidos da consciência coletiva” (p.51).

A solidariedade mecânica está presente nas sociedades primitivas, essas sociedades são caracterizadas por serem divididas em clãs/tribos. A consciência coletiva presente nessa sociedade está muito ligada à religião. Já a consciência individual (consciência que diz respeito ao que temos de mais distinto em relação aos outros membros da sociedade) não tem força nesse tipo de sociedade, fazendo com que os indivíduos se assemelhem já que compartilham as mesmas crenças e valores.

O que seria solidariedade? São o que liga os indivíduos/une os elementos ao grupo. A solidariedade permite a integração da sociedade porque tem natureza moral. A função dela é manter a coesão social. Não podemos ver a solidariedade, mas segundo Durkheim, ela manifesta efeitos visíveis na sociedade. Seu efeito mais visível é o direito. A fim de determinar os tipos de solidariedade, é necessário determinar os tipos de direito que as solidariedades geram, pois o direito apresenta as convicções morais de uma sociedade. Durkheim diz que o direito divide-se em dois tipos: O direito penal e o direito restitutivo. O direito que corresponde à solidariedade mecânica é o direito penal, onde as sanções são punitivas, porque visam atingir o agente em sua honra, sua liberdade, por exemplo; visa privá-lo de algo que ele desfruta.

Durkheim faz uma analogia com os organismos para explicar a sociedade. As moléculas sociais da solidariedade mecânica “não poderiam, pois, mover-se em conjunto, a não ser na medida em que não tem movimentos próprios, como fazem as moléculas dos corpos inorgânicos” (p.107). Por isso, o nome é Mecânica não significa que a solidariedade “seja produzida por meios mecânicos e de modo artificial” (p.107). É a “analogia com a coesão que une ente si os elementos dos corpos brutos, em oposição à que faz a unidade dos corpos vivos” (p.107).

Referências

DURKHEIM, Émile. Da divisão do trabalho social. São Paulo: Martins Fontes, 2003.

Nota: Parte de Trabalho feito em grupo com Lunara, Maria e Giovana, todas do Bacharelado em Ciências Sociais pela UFPE

[Musica] Glauco e o Trem

2011-11-05T08:11:00.000-07:00

Falar de Glauco e o Trem, uma das melhores bandas que surgiu nos últimos anos na cena independente pernambucana, é um trabalho saboroso. Acompanho seu desenvolvimento musical desde 2007 quando a banda foi formada. Todos os elementos chamam a nossa atenção, das poesias de extrema potencia à sua roupagem musical. Não existe hierarquia na hora de compor as músicas " a composição é feita para casar perfeitamente ambas as artes.". Formada pelo Pianista Glauco César II, encarregado pelas letras e músicas, na banda toca Teclado e canta. Tem também no seu núcleo o baterista Bruno Henrique, o programador Eduardo Padrão, o Guitarrista Rodrigo Padrão, e o baixista Vitor Wolmer. E com eventuais convidados como o percursionista Villa Nova.

Com poucos meses de vida, o primeiro disco "Uivo vivo" foi gravado. Com letras de uma acidez memorável, como podemos conferir em "Nau frágil" que por encontrar dificuldades no cenário musical e pelo "povo maleducado" do Recife tiraram a vontade de compor, e de uma certa maneira, de viver. As músicas passeiam por diversos ritmos, que vai do rock puramente falando a um Reggae. Depois gravaram o Ep "Notícia popular", onde mostraram uma notável evolução e uma tristeza em evidenciar que "não saiu no jornal" que mesmo depois de tanto tentar se apoiar na perna da frente, ninguém parece dar atenção. Gravaram recentemente o disco "Eu nunca acreditei" que ainda está em processo de mixagem, disco este, já com novos elementos como trompete. As poesias do "Eu nunca acreditei" se mostram ainda mais maduras e complexas, cheias de jogos de palavra uma arte sublime de compor "sublime arte vai, sublimar-te, subir a marte, vai amar-te".

Nesta primeira sexta de novembro(04) começou o projeto Rosa Doida, onde A Glauco e o Trem tocará todas as sextas de novembro(11, 18, 25) no Teatro Joaquim Cardoso, Recife-PE. O evento tem preço único de 8R$, e tem um número limitado de 50 lugares. Tocando músicas de todos os discos gravados, e uma inédita "alegria perdida" a banda sobe ao palco com diversos convidados em cada dia do projeto, a começar pelo percursionista Villa Nova que estará presente em todos os shows. Foram entregue a todos os presentes letras das musicas, para que todos pudessem acompanhar as poesias.

O Show começou no escuro e com um "tape" da musica "Atropelado" enquanto os músicos entravam lentamente e arrumavam-se para começar o espetáculo. em seguida uma grande performance de musicas como "Medo-me", "Nau Frágil" "A cigana" que com o passar dos anos ganharam novas roupagens. "São", "A vida", "Perigo no Lixo" todas do disco que ainda está por vir e a inédita "Alegria perdida" que mostra definitivamente como a banda chegou para firmar raízes neste solo lamacento da cidade do Recife, e tem potencial de atingir muito mais! e o Ep "Noticia popular foi tocado na integra as três musicas "noticia popular" que abriu o show, "Musica velha" e Sambinha.

Site oficial Da Glauco e o Trem

[Cinema] Pi

2011-11-03T17:29:00.000-07:00

Falar do primeiro filme do diretor Darren Aronofsky Pi(1998) é um trabalho complicado, apesar de ser relativamente curto com apenas 80 e poucos minutos, é intenso do começo ao fim. Começando por ser em preto e branco, um P&B poroso que dá uma aparência um tanto perturbadora. Começa com uma introdução de fritar o cérebro onde os números que "definem o PI" (3,14.....) junto a outras teorias da matemática guiadas por uma forte musica tem a capacidade de nos desnortear e prender esperando o que vem por ai. A primeira a frase do filme "Quando era criança minha mãe falou para eu não olhar para o sol... quando eu tinha 6 eu olhei" nos alude a luz do conhecimento, que nos leva a uma breve loucura, percebemos então que o "branco" das imagens está sempre estourado. Uma câmera nervosa nas partes de perseguição e alucinação, guia o ritmo frenético que toma a historia, por vezes fantástica, por vezes ultra-realista.

Max Cohen é um matemático que tenta descobrir os padrões do número Pi, trancado em sua casa junto ao seu super computador, os números são sua vida, e único lugar seguro. Com uma mente perturbada, sofre fortes dores de cabeça e leves alucinações. Na primeira cena em que sai de casa, vemos uma quantidade enorme de trancas e correntes na sua porta de entrada que nos leva a perceber o grande grau de isolacionismo do protagonista, imagem reforçada pela quantidade de grades e cercas que o acompanham por quase todo o caminho. Encontra-se no decorrer do filme algumas vezes com seu antigo professor "Sol", que por um derrame deixara de procurar padrões numéricos. Refugiando-se no Go(xadrez chines), o tabuleiro aparentemente finito dá ao jogador infinitas possibilidades de começar um jogo tornando "impossível" prever jogadas futuras, os japoneses referem-se ao tabuleiro de Go como um universo.

Em um bar, Max conhece o judeu Lenny, um homem misterioso que também trabalha com números, mas utiliza-se do Torá como base para tentar encontrar padrões. Nestas conversas um número fica em evidencia "216", perturbado com o número, Max começa a enxerga-lo em todos os lugares. Neste ponto o filme entra na mesma discussão que o filme 23(Joel Schumacher) nos traz, a paranoia, onde um número pode ser encontrado em qualquer lugar, basta estar obcecado por ele. 216 tem mais significados do que apenas a loucura, os judeus acreditam que ele é a chave para algo maior.

Darren Aronofsky também é o diretor dos filmes "Réquiem para um sonho"(2000), "O lutador"(2008) e "Cisne Negro"(2010).Todos consagrados e com grandes premiações mundiais. "Pi" Ganhou 9 e foi 7 vezes indicado a prêmios mundo a fora.

[Musica] Covers que deram certo! 4

2011-10-30T19:21:00.000-07:00

Eddie Vedder - all along the watchtower (Bob Dylan Cover) gravado como parte da trilha sonora do filme "I'm not there" que conta a historia do Bob Dylan

Yann Tiersen e Neil Hannon - Life on Mars(David Bowie Cover)

Apesar de preferir a Original do Leonard Cohen, acho este Cover de "Halleluja" que o Jeff Buckley fez é soberbo...

segue as originais

All along the watchtower
Life on mars
Halleluja

[Cinema / Música] Vincent Moon

2011-10-28T18:30:00.000-07:00

Vincent Moon (nome verdadeiro Mathieu Saura - Paris, 1979) é um cineasta independente, conhecido principalmente por seu trabalho com vídeos musicais, geralmente com bandas alternativas, entre os artistas famosos já trabalhou com REM, Arcade Fire, Tom Jones e outros.

Além de fazer vídeos musicais, também faz filmes experimentais e documentários. Em 2009 lançou "Le Faute Des Fleurs" documentário sobre a cantora japonesa Kazuki Tomokawa e com ele ganhou o prêmio de melhor documentário no Festival Copenhagen Internacional de Documentários.

Desde 2009 o Vincent tem vivido na estrada, experimentando o cinema "nômade", filmando artistas por todo mundo. Ele costuma trabalhar só ou com pessoas que ele acaba encontrando na estrada, e na maioria das vezes, sem dinheiro envolvido nos projetos, tenta redefinir os limites do cinema no século XXI.

Neste ano, começou a trabalhar em sua nova coleção de gravações, a "Petites Planetes", dedicado a experimentação entre imagem e sons, do que ele tirou viajando pelo mundo.

La Blogothèque

Chryde, fundador do site La Blogothèque, queria "agitar" e encontrar outra maneira de compartilhar música, para isso chamou o Vincent Moon para gravar vídeos de artistas pelas ruas de Paris, as chamadas "Take Away Shows" (no francês "Les Concerts à Emporter") existem desde abril de 2006. A grande quantidade de clipes é resultado de um processo de filmagem muito rápida e geralmente com uma única "tomada", como o próprio Moon descreve o seu processo de filmagem é de uma forma de "fazer cinema de guerrilha", sessões improvisadas em um ambiente incomum (ruas, praças, pontes, bares, lojas de instrumento e outros).

Seu primeiro Take Away Show foi com a banda The Spinto Band, depois disso foram gravadas aproximadamente 120 sessões, cada artista com dois ou três clipes musicais.

Take Away Show da Banda Bowerbirds

Take Away Show da Banda Beirut

Petites Planetes

O projeto começou em 2009/2010 quando o Vincent começou a expandir seu interesse, diferente do Take Away Show, o Petites Planetes tem como objetivo mostrar a música de todo o mundo, em suas recentes viagens, visitou e filmou artistas da Argentina, Chile, Camboja, Egito, Japão, Islândia e Brasil.

No Brasil, onde esteve no final do ano passado, fez um percurso por todo o país e entre os artistas que foram gravados estão: Gaby Amarantos, Ney Matogrosso, Jards Macalé, Carlinhos Brown, Wilson das Neves, Letuce, Thalma de Freitas, Holger, Naná Vasconcelos, Tom Zé, Sebastião Tapajós, Jorge Mautner, M. Takara, Dona Onete, Elza Soares e Dona Inah.

Alguns vídeos já estão disponíveis na internet, segue em baixo dois, só para sentir o gostinho.

Nosso querido Tom Zé!

Wilson das Neves, não conhecia, mas é um sambinha bem gostoso.

Influências e estilo

Vincent Moon muitas vezes adota um equilíbrio de cores quentes em seus vídeos, com um contraste maior, levando a uma paleta de cores em grande parte amarelo e preto.

Ele cita suas principais influências do cinema experimental na maior parte, de Brakhage para Tscherkassky, e do cinema etnográfico , Jean Rouch ou Robert Gardner.

Entrevista que deu para a Saraiva, vale a pena!

Para quem tiver interesse, os sites relacionados!

[Musica] John Butler Trio

2011-10-26T21:38:00.000-07:00

John Butler Trio é uma banda "eclética" Australiana que foi formada pelo guitarrista e vocalista John Butler em 1998. Diversos baixistas e bateristas já integraram o trio, que em 2009 sofreu mais uma mudança. Com músicas que passeiam entre o reggae e o blues, podemos assumir que cada álbum assume uma postura única dentro do estilo "butler" de fazer música. Nada aparentemente se repete. Com instrumentos dos mais variados, que vão do ukulele ao "lap steel guitar", do banjo à guitarra elétrica, baixo acústico e elétrico, bateria e precursão em geral, integram os principais, sem esquecer das participações de metais, didgeridoos, etc. A banda se destacou com suas performances ao vivo. Temos não só um instrumental impressionante mas também letras com uma extensa critica social, muito bem escritas. com 5 álbuns de estúdio "John Butler trio", "Three", "Sunrise over sea", "Grand National" e "April uprising" e 3 discos ao vivo.

Trazemos para os leitores a música "Zebra" do disco "sunrise over sea", sua letra construída em cima de antônimos, ilustra alguém perdido na nossa sociedade, a eterna dualidade do ser humano que tanto pode ser inocente quanto culpado, vivo ou "zumbi". Sem saber para onde deve ir. Entorpecido pela televisão, sem visão do futuro. Uma Zebra psicológica. Um camaleão social.

Esse "Da da Da da" não sai tão rápido da cabeça.

[Literatura] Reconsiderações acerca dos paradigmas

2011-10-24T20:16:00.000-07:00

Thomas Kuhn nasceu em 18 de Julho de 1922, em Cincinnati, em Ohio, Estados Unidos. Formou-se em física em 1943, pela Universidade de Harvard. Recebeu desta mesma instituição o grau de Mestre em 1946 e o grau de Doutor em 1949, ambos na área de Física.

Após ter concluído o Doutoramento, Kuhn tornou-se professor em Harvard. Lecionou uma disciplina de Ciências para alunos de Ciências Humanas. A estrutura desta disciplina baseava-se em nos casos mais famosos da História da ciência, pelo que Kuhn foi obrigado a familiarizar-se com este tema. Este fato foi determinante para o desenvolvimento da sua obra.

Em 1956 Kuhn foi leccionar História da ciência na Universidade da Califórnia, em Berkeley. Tornou-se professor efectivo desta instituição em 1961. Em 1964 tomou a posição de Professor M. Taylor Pyne de Filosofia e História das Ciências, na Universidade de Princeton. Em 1971 Kuhn foi leccionar para o MIT, onde permaneceu até terminar a sua carreira acadêmica.

Faleceu em 17 de junho de 1996.

Em seu livro, A Tensão Essencial, Kuhn realça alguns traços fundamentais da atividade cientifica: a inovação e a revolução teórica, o significado e o alcance da medição, o fenômeno da rejeição e da recepção do conhecimento novo e a natureza da "ciência normal".

Para Kuhn, a ciência se desenvolve através das fases: estabelecimento de um paradigma, ciência normal, crise, ciência extraordinária, revolução cientifica, estabelecimento de um novo paradigma.

Sobre o paradigma, nas próprias palavras do autor o paradigma é "o que os membros de uma comunidade cientifica compartilham e, reciprocamente, uma comunidade cientifica consiste em homens que compartilham um paradigma". E esses membros dos quais ele fala compartilha um conjunto de suposições teóricas gerais, leis e suas técnicas.

O paradigma coordena e dirige a atividade dos cientistas que nele trabalham cujo objetivo é esclarecer as possíveis falhas e extrair todas as suas conseqüências, para além de leis estabelecidas, suposições teóricas que suportem o mundo real.

A ciência normal é o período em que se trabalha num determinado paradigma, que foi adotado pela comunidade cientifica. Kuhn retrata esse período como um quebra-cabeça simultaneamente de natureza teórica e experimental: os problemas de articulação do paradigma são ao mesmo tempo teóricos e experimentais. Entende-se que os problemas bem definidos contem de forma implícita a solução (avançando-se nos problemas que o paradigma "permite" localizar e resolver). A ciência normal por fim, significa uma investigação que se baseia em problemas que uma comunidade cientifica "reconhece em particular durante um determinado período de tempo como fundamento da sua prática posterior."

Cientistas pressupõem, nesse sentido, que o paradigma fornece meios para resolver esses quebra-cabeças dentro dele, de forma que uma falha na resolução é vista como uma falha do cientista. "Quando num jogo de xadrez um jogador perde, a culpa é atribuída a ele e não ao jogo de xadrez, o fracasso reside em falhas cometidas pelo jogador e não nas regras de xadrez que funcionam perfeitamente”.

Referências

Kuhn, Thomas S. - A Tensão Essencial / 1977 (Capítulo 12)

[Cinema] O poeta dinamarquês

2011-10-20T21:44:00.000-07:00

"The Danish Poet" / Den Danske Dikteren é um filme de curta-metragem de animação, vencedor do Prêmio de Academia (Oscar). Foi realizado em 2006 pela National Film Board of Canada e MikroFilm AS da Noruega. O filme é narrado, na versão em língua inglesa, por Liv Ullmann.

o curta conta a historia de um jovem poeta que ao estar sem nenhuma inspiração, viaja até a noruega para conhecer sua escritora favorita, mas acaba tendo uma paixão de verão. uma paixão muito parecida com a do seu romance favorito. Narrado com um Narrador onisciente, que é uma jovem tentando explicar suas origens. O curta começa com as reflexões sobre o grande mistério da existência humana. Ao fazer um traçado sobre sua "árvore genealógica" chega até o Poeta dinamarquês e narra sua trajetória. Sem nenhuma inspiração para escrever, o poeta se refugia na obra de outros grandes escritores escandinavos, decide então viajar até a Noruega para conhecer a escritora de um grande clássico e importante para a sua vida. A imagem do livro, representa a importância da arte ilustrada pelo tamanho do liro e o peso. Livro este que acaba refletindo a vida do poeta ao se apaixonar por uma jovem norueguesa. A historia não é cíclica, ela não se repete, o destino traça suas rédeas, e não podemos negá-las. Podemos tentar burlar alguns aspectos da vida, mas os dogmas de uma sociedade dos anos 40 impede que os dois amem-se completamente. então o poeta parte. e entristecido reflete sobre o valor da composição e dos momentos de inspiração. Anos mais tarde, Sua amada passa a ser uma mulher desimpedida, temos neste momento da animação, refletimos sobre a velocidade das informações cruciais para a nossa vida e seu trajeto até chegar ao destino esperado. Nos moldes de uma sociedade atual, onde as informações são praticamente instantâneas, o carteiro representa muito bem esta lacuna do tempo. Quando voltam novamente a ficar juntos temos a imagem da morte presente, e paralelamente a ela um pouco da relação de ganhar e perde, o Poeta dinamarquês encontra sua inspiração e escreve seu livro de poemas. A historia aparentemente, repete-se mais uma vez, mas desta vez, é a historia do poeta, na imagem de um jovem que buscava inspirações tentando conhecê-lo. Belíssima trilha sonora. uma animação simples, porem de muito bom tom. Cores suaves e tocantes. com diversos elementos secundários que trazem diversas outras inspirações e reflexões. Um curta de animação que acaba inspirando até os não ligados com a produção ficcional literária. a vida é bela, e segue uma estrada torta, basta saber esperar que alcançaremos exatamente aquilo que estamos procurando.

[Literatura] T.S Eliot e o fim do mundo

2011-10-18T18:40:00.000-07:00

T.S Eliot, um dos maiores poetas da língua inglesa do século XX, nascido em 1888 nos EUA mudou-se para a Inglaterra em 1914. Morreu em 1965, de um enfisema pulmonar. Nos anos vinte conviveu com um grupo seleto de artista em Paris (como Woody Allen ilustra no seu filme "Meia Noite em Paris", mesmo que infelizmente [ao meu ver] a passagem de T.S Eliot tenha sido irrelevante e mal explorada no filme) este convívio com a poesia francesa, foi muito frutífero para a futura carreira como escritor. Em 1922 publica "The Wasted land" seu poema mais célebre e bem recebido pela crítica inglesa e estrangeira. Inicialmente utilizou-se do verso livre rimado, posteriormente regressa a métrica e estrofes fixas. Causando assim junto a Erza Paund e James Joyce uma revolução na literatura de língua inglesa.

O poema que trazemos para vocês é "The hollow men" e uma breve análise interpretativa.

a leitura é uma das mais bonitas que já vi...

Poema em inglês.

Podemos dizer que, o poema tem três perspectivas distintas, cada uma delas representando a passagem da alma pelos reinos da morte "death's dream kingdom", "death's twilight kingdom", and "death's other kingdom". O texto é muito rico e metafórico, o que dificulta as primeiras leituras do poema. Dividido em 5 partes, a primeira é de certa forma uma explanação de quem são os "homens ocos" que vagam pelo "death's other kingdom". na segunda parte temos a imagem do "death's dream kingdom"(o purgatório) como um lugar repleto de ilusões e almas perdidas, que tentam camuflar-se para não serem percebidas ao chegarem no "twilight kingdom". Na terceira parte T.s Eliot ilustra o isolamento do "outro reino da morte" que seria o limbo. essa imagem se perpetua no decorrer da quarta parte, quando no final dela percebemos que o "Deaths twilight kingdom" seria uma espécie de céu, onde reside a esperança. o final do poema é carregado por uma reflexão da dualidade do ser humano, e do que serviria sua existência, finalizando com uma das frases mais bonitas do poema:

"This is the way the world ends

Not with a bang but a whimper."

Poema traduzido (por Ivan Junqueira, que na minha opinião é sem duvida a melhor)

Poema lido pelo próprio T.S Eliot

#offtopic -

2011-10-13T21:42:00.000-07:00

Hoje o post é diferente, vamos falar um pouco dos nossos futuros projetos e das parcerias que estão sendo firmadas.

Os que acompanham o Café de Fita desde o inicio puderam observar as mudanças feitas no blog, à introdução de novos temas a serem discutidos trouxeram uma "dinamização" positiva ao blog.

Um dos passos dado recentemente foi à parceria com dois blogs: "De bubuia na bubuia" e o “TintoCast”.

O De Bubuia na Bubuia é o blog pessoal da Mariana Leal, publicitária e fotografa aqui de Recife. O blog foi criado em 2009 com o propósito de expor um poucos os gostos e interesses da Mari, os temas são bem variados, lá ela fala de música, cinema, gastronomia, fotografia e outros. Mas desde meados de novembro/dezembro de 2010, foi criada novas tags para o blog e são as que mais chamam a atenção dos leitores: #a tatoo que eu queria ter feito e #stop motion, i love u – A seleção de fotos e de vídeos é ótima, vale à pena!

Sobre a parceria: No De Bubuia na Bubuia também tem uma sessão chamada #minha estante, nela, a Mari convida amigos para postarem fotos e escrever sobre seus livros e recentemente fomos chamadas para fazer um post para a sessão, e com isso firmamos o laço de parceria.

O Segundo é o TintoCast, blog/podcast do Adriel Dantas, também de Recife. O Grupo TintoCast surgiu na idéia de criticas e indicações sobre vinhos e musica erudita, com o passar do tempo o web site começou a se diversificar e a tratar de assuntos como cinema, música e literatura. Hoje, o site conta com um blog que recebe atualizações diárias e com podcast semanal tratando de diferentes assuntos em conversas descontraídas e empolgantes.

Sobre a parceira: Como já foi mencionado acima o TintoCast também é um podcast que semanalmente seleciona algum tema a ser discutido e analisado, sempre montando uma boa trilha sonora para acompanhar, essa semana foi gravado um programa com a participação do Café de Fita, o colaborador Tiago Guillen participou da gravação, em breve divulgaremos o programa gravado!

Nos últimos tempos tivemos diversas ideias para dinamizar ainda mais nosso blog. Que além dos textos convencionais e informativos, iriamos "criar" um novo mecanismo de informação para o blog e com isso produzir conteudo de autoria propria. Quando falo sobre isso nao estamos nos referindo a tirinhas de humor usando MEMES, mas sim algo um pouco mais complexo. Já trabalhamos em cima desses projetos há alguns meses, estudando para fazermos o melhor para vocês.

[Literatura] Objetivos da pesquisa antropológica

2011-10-11T19:20:00.000-07:00

Franz Boas nascido numa família judaica liberal, seu pai, Meier Boas, era um comerciante de sucesso e sua mãe, professora de jardim da infância. Ambos os pais de Boas eram influenciados pelo "espírito" da Revolução de 1848 mesmo anos após o seu término. A influência dos princípios políticos de seus pais durante sua infância e adolescência teriam reflexos na formação de suas ideias pioneiras sobre raça e etnicidade.

Sua primeira inserção no campo científico não se deu a partir da Antropologia, mas sim da Física, curso no qual Boas se qualificou como doutor pela a Universidade de Kiel em 1881. Através de sua dissertação de doutorado "Contribuições para o Entendimento da Cor da Água" Boas buscou demonstrar como os domínios da experiencia humana "através dos conceitos de quantidade … não eram aplicáveis". Foi em uma viagem para Baffinland com a intenção de escrever um livro sobre psicofísica, enquanto trabalhava com um grupo de esquimós (inuit) que Boas vivenciou a sua primeira experiência de campo. Tal experiência foi determinante para sua mudança disciplinar e o início de suas reflexões antropológicas.

Em 1887 Boas emigrou para os Estados Unidos, mas somente depois de sua primeira publicação tornar-se-ia referência como antropólogo. Em 1892, tornou-se professor de antropologia na Universidade Clark, em Worcester.

Em 1896, foi indicado curador assistente de Etnologia e Somatologia do Museu Americano de História Natural. No mesmo ano, foi nomeado leitor de Antropologia Física da Universidade Columbia, e promovido a professor de Antropologia em 1899. Na época, os vários antropólogos que lecionavam em Columbia distribuíam-se por diferentes departamentos. Quando deixou o Museu de História Natural, Boas negociou com a universidade a reunião desses vários professores em um único departamento, do qual ele próprio seria o responsável. O programa de PhD em antropologia da Universidade Columbia, criado por Boas, seria o primeiro da América.

No artigo "Os objetivos da pesquisa antropológica", Boas afirma que o objetivo com o estudo da humanidade é a "tentativa de compreender os passos pelos quais o homem tournou-se aquilo que é biologica, psicologica e culturalmente." (CASTRO, p.88) A forma de se alcançar esse objetivo é recorrendo a história, de modo que seja possível a compreensão do desenvolvimento humano, seja nas funções fisiológicas, na mente, na forma corporal e na cultura.

Boas em seu texto faz algumas criticas ao evolucionismo (buscava leis gerais que regesse toda a humanidade, uma evolução igual para todas as sociedades, com isso, era dito que os fenômenos semelhantes que ocorressem em épocas e lugares diferentes só comprovariam a existência de uma origem comum). Ao contrário disso, Boas explica que esses fenômenos similares poderiam ser originados de caminhos diversos e que o mesmo fato tem sentidos variados em cada cultura. Devia-se investigar a causa desses fenômenos, antes de se fazer suposições.

Nesse texto também é inaugurado o conceito de culturas, no plural, afirmando que cada cultura tem sua própria historia. Boas mais uma vez explica através do particularismo histórico que todas as culturas são dinâmicas e sofrem mudanças a todo tempo, "universalidade e da variedade das culturas, a antropologia pode nos ajudar a moldar o futuro curso da humanidade.” (CASTRO, p.109) O objetivo da pesquisa antropológica está em compreender os fenômenos dessas culturas particulares e qual sentido os membros de cada cultura atribuem as suas práticas.

Referências

Castro, Celso. (org.) Antropologia cultural / Franz Boas. RJ, Zahar, 2010

[Cinema] The pink phink

2011-10-09T17:16:00.000-07:00

The Pink Phink é o primeiro curta-metragem da Pantera Cor-de-Rosa, produzido na DePatie–Freleng Enterprises e distribuído pela United Artists. Este desenho ganhou o Oscar de melhor curta de animação de 1964.

O curta é basicamente a disputa entre a pantera cor-de-rosa e o homem bigodudo para ver quem finalmente consegue pintar o cenário da cor desejada (rosa X azul).

# Como estamos no mês das crianças, selecionei esse curta porque ele fez parte da minha infância, foram incontáveis as vezes que eu vi essa animação na tv, mesmo ela sendo bem simples, me agrada muito.

O personagem a Pantera Cor-de-Rosa apareceu originalmente em 1963, na abertura do filme The Pink Panther. Friz Freleng e David DePatie foram chamados para criarem uma introdução para o filme, uma espécie de "mini" desenho animado que mostra o Inspetor Closeau correndo atrás da Pantera Cor-de-Rosa, só que, ao invés de desenharem o diamante, fizeram uma brincadeira ao pé-da-letra e desenharam a pantera que todos conhecemos. Apesar de só aparecer por alguns minutos na tela do cinema, a felina agradou tanto ao público que acabou ganhando uma série animada só dela. O sucesso foi enorme e fez com que fosse produzida uma série de desenho animado, os mais de 120 episódios tiveram em média seis minutos de duração. Lançada em 1969, The Pink Panther Show, mostra a divertida e carismática Pantera Cor-de-Rosa, com aquele seu andar elegante e sem dar uma só palavra sequer, fugindo do Inspetor Closeau. O baixinho inspetor (ilustrado como uma caricatura de Sellers) se utiliza das mais diversas técnicas para correr atrás da magérrima pantera, mas ela sempre consegue escapar com muita inteligência.

As aventuras da personagem eram acompanhadas pela famosa música de Henry Mancini com arranjos de Waltel Branco, The Pink Panther Theme. O desenho foi produzido pelo estúdio de animação americano DePatie-Freleng Enterprises, de 1964 a 1980.

vídeo com a música de abertura dos episódios

E vocês? Quais os desenhos animados que costumavam assistir na infância?